El blog de Jesus Olivan

Diaghilev

2012-02-29T23:33:00.000+01:00

Desde hace ya mucho tiempo nuestra cultura se plantea la llamada obra de arte total. Deferentes ramas artísticas conviven en una obra única. Música, poesía, concepto argumental, movimiento y tantas otras formas artísticas son percibidas como complementarias y susceptibles de ser utilizadas para crear una realidad virtual que las trasciende. Se trata de que todo lo que nos rodea sea de suficiente calidad artística (la máxima calidad artística de hecho) sin que ningún elemento extraño diluya nuestra percepción de encontrarnos en un mundo ideal.

Wagner se planteó una obra total en que la música, la letra, el argumento y la realización plástica fueran novedosos y perfectos. Este concepto integrador también se abordó en la secesión vienesa especialmente aplicado a las artes plásticas. Llegaron a crear un pabellón en que cada aspecto expositivo estuviera meticulosamente cuidado. Se trataba de crear algo parecido a un templo del arte. Hace unos años tuvimos ocasión de asistir a una extraordinaria muestra en la Fundación Juan March en que se nos mostraban los frescos de Klimt rodeando la estatua de Bethoven caracterizado como nuevo héroe romántico. Se acompañaba de la audición de un fragmento de la novena simfonía dirigida por Mahler y el friso creado por Klimt contenía una representación plástica de la misma.

Ahora tenemos ocasión de ver un intento similar en la muestra sobre los ballets rusos presentada en Caixaforum. Diaghilev, un exiliado ruso intentó en sus representaciones aunar lo mejor de su tiempo, la danza de Nijinski, la música de Stravinski, las formas plásticas de las vanguardias… Y surgieron el pájaro de fuego o la consagración de la primavera.

Espectáculos extraordinarios en que todo estaba calculado para crear una realidad deslumbrante, casi una experiencia mística. Este enlace permite la visita virtual de la exposición.

Y este es un video de la exposición en Barcelona.

Entre otras muchas cuestiones interesantes aparece la relación de los Ballets Rusos con España, Falla, Turina, Sert, Picasso… Los ballets rusos permanecieron bastante tiempo en España e incluso realizaron una amplia gira.

En la exposición vemos los trajes, muy bien conservados aunque probablemente pensados para ser contemplados desde distancias más largas, las danzas, las músicas desprovistas de su contexto. Todo ello nos habla de un mundo perdido en que los programas de las representaciones a veces se imprimían en seda y los espectáculos recorrían las capitales europeas auspiciados por reyes.

Las representaciones de Wagner, el pabellón de la secesión vienesa, los ballets de Diaghilev son momentos estelares de muestra cultura, casi arte efímero, que quedan en el recuerdo formando un imaginario mágico mucho tiempo después. Disfruten de Franco Battiato cantando en español un precioso tema que cita nuestros personajes y que nos habla de los conflictos entre el arte y la realidad, entre la vida y los deseos de superación de las personas.

Odilon Redon

2012-02-27T21:19:00.002+01:00

Comentamos la obra de Redon a través de Adriana Molder. Adriana, una pintora portuguesa había reelaborado un tema clásico de Longui utilizando una aproximación próxima a la pintura de Redon. Noemí Lopez Trujillo nos sugería una muy interesante interpretación de la obra:

Redon, precursor del surrealismo, tiene obras en los que el personaje es un híbrido entre un animal -un insecto- y un ser humano, por lo que, en cierto modo, la obra de Molder es una paráfrasis en tinta china, sobre papel translúcido y a gran escala, de algunos de los protagonistas de los trabajos de Redon.

Los seres fantásticos de Redon , esas quimeras imposibles (e.g. una araña sonriente) reaparecían

transformadas muchas décadas después.

Y ahora en la Fundación Mapfre se nos expone un amplio resumen de la obra de Redon. A Redon se le suele catalogar como uno de los máximos exponentes del simbolismo. Esta es una introducción a la exposición

Alla por el siglo XIX se había producido una ruptura en la representación de la realidad. La desaparición del antiguo régimen nos había traido el romanticismo. Asomaban la naturaleza, la pasión, el gusto por los acabados imperfectos, el color y también los aspectos humanos que no podían ser controlados de forma consciente.

Desde el comienzo Goya nos avisaba de que el sueño de la razón produce monstruos. Pero claro a estas alturas de nuestra cultura todavía no se había establecido el psicoanálisis con su teorización del inconsciente. Aún no había aparecido el amplio movimiento surrealista. Incluso hoy no está claro si los contenidos que nos producen terror, que nos tensionan haciéndonos creativos, que nos envían elaboradas imágenes como tesoros arrojados a la playa forman parte de nuestras experiencias personales que ya no recordamos, pertenecen a la huella que la evolución ha dejado en nuestra especie o constituyen rasgos discordantes que no podemos manejar sin hacer inestable todo el complicado edificio de nuestra mente consciente.

Y aquí tenemos a Redon. Todo un catálogo de imágenes poderosas que nos conmueven sin poder pensar en términos de calidad formal o de armonía compositiva. Vean esta araña sonriente que a la vez que nos aterroriza casi nos parece simpática (imagen tomada de wikimedia commons)

La muestra incluye algunas imágenes igualmente poderosas como la de la joven con ojos cerrados flotando sobre el paisaje (imagen tomada de wikimedia commons).

Y como sé que les gustan las excursiones intelectuales a través de las décadas o los siglos ahí va una que resulta fascinante . El decadentismo fue un movimiento de fines del XIX. Uno de sus máximos exponentes fue Huysmans. En su obra Against the grain su protagonista se aleja del mundo presa de la misantropia a disfrutar del arte y entre las obras que recoge acumula grabados de Redon.

Por cierto que una bonita ilustración de esta obra puede contemplarse aquí. Si están interesados en el pensamiento de Redon en Gallica y en este otro enlace puede verse una amplia revisión de su obra.

Martin Creed

2012-02-15T22:50:00.000+01:00

Alcala 31 es una gran sala madrileña con una excelente programación y unos guías fantásticos que ponen en valor los contenidos de forma didáctica y rigurosa. En fin que da gusto ir. Bueno pues ahora expone la obra de Martin Creed "Cosas" (things). Pueede verse una presentación de la exposición aquí

Antes de comenzar, un aforismo cuyo origen no he sido capaz de encontrar "la verdad matemática es lo que los matemáticos consideran que es verdad". La frase admite una formulación análoga para casi cualquier actividad por ejemplo "arte es lo que los artistas consideran arte". Esta pequeña frase a pesar de su ambigüedad (quiénes son esos artistas que pueden definir lo que es o no es arte) tiene alguna que otra implicación. En cierta forma implica que el arte es como una partida de ajedrez requiriendo de un aprendizaje previo para su disfrute. Y la exposición de Creed, como muchas obras conceptuales puede interpretarse de forma muy diversas pero desde luego no es una obra fácil de disfrutar.

La obra de Creed, como la doctrina pitagórica, tiene algunos elementos matemáticos subyacentes. Comencemos como comienzan las matemáticas, con los números naturales. Creed numera todas sus obras. De forma correlativa desde sus inicios. Aquí tenemos un resumen de su obra en su sitio web. A pesar de su juventud ha realizado más de 1000 obras. Algunas de ellas utilizan progresiones matemáticas (cruces que disminuyen de tamaño, clavos a diferente profundidad cuya sombra evoca figuras geométricas). Algunas otras recuerdan un axioma como la obra 143 en que una hoja en blanco contiene la siguiente afirmación

El mundo entero + el trabajo = el mundo entero

Con la rotundidad de uno de los postulados del tractatus de Wittgenstein afirma quizá que la obra no añade nada al mundo o bien que la obra ya está incluida en el mundo por lo que no lo modifica.

Las matemáticas reflejan nuestro pensamiento más profundo: lo que es y lo que no es. La afirmación y la negación de algo. Aun más la alternancia entre ambos estados. En la muestra algunas paredes están pintadas con un entramado que tienen la misma superficie que el fondo sobre el que asienta, una puerta se abre y se cierra automáticamente permitiendo o no el paso a otra estancia. El propio título de la exposición en forma de letrero luminoso se apaga y se enciende de forma rítmica. El autor ganó el presigioso premio Turner en 2001 mostrando la obra 227 "the lights going on and off" (las luces encendiendose y apagandose). Una alteración minimalista de la realidad en que la habitación casi no se modifica pero su existencia en dos estados diferentes pone de manifiesto su existencia. Esta idea de la alternancia de dos estados la lleva a muy diversos campos (hemos visto la pintura de una pared, la posición de una puerta, la iluminación de una sala, el encendido de un letrero) pero no la utiliza solo dentro de las artes plásticas. Este es un video en que el propio autor explica y desarrolla una idea similar en forma musical

Pero el arte también es interpretación. La obra 850 se ambienta en una gran sala con gente. Cada cierto tiempo una persona atraviesa la sala corriendo como si en ello le fuera la vida. Posteriormente un periodo de calma hasta que un nuevo corredor atraviesa la sala nuevamente. Y así indefinidamente con la alternancia entre la actividad y el reposo.

En Neurofisiología algo similar ideado por Kleitman se denomina Ciclo Básico de Actividad y Reposo (BRAC). Esta obra ha sido interpretada de formas muy diferentes. En este enlace se establece la analogía entre lo específicamente humano (la linea recta o la trayectoria recta) con la naturaleza y la relaciona con la obra de Barnett Newman, en este otro enlace se relaciona con la belleza del movimiento humano en su forma más pura, se ha interpretado como la sorpresa ante una contucta no esperada que atrapa el contenido de la sala de una forma global y no analítica o incluso se compara con arte cinético.

Creed nos habla de las diferentes interpretaciones posibles en otro contexto

No sé sobre significados porque no diría que conozco lo que significa. Pero con seguridad significa cosas diferentes para mí, cualquier cosa que signifique para otras personas es algo más.

Este gusto por la realidad como vehículo portador de contenidos, contenidos que carecen de una interpretación unívoca. Se trata de cosas y es el hilo conductor de la exposición.

Otro ejemplo. Algunas de las obras se realizan con hojas de papel DIN A4. Una de las obras apila hojas DIN A4 hasta que los bordes de uno de los lados toman las dimensiones de un papel DIN A4. El poliedro formado, que podríamos irónicamente llamar "solido de Creek" tiene cuatro caras con las dimensiones de un DIN A4 y dos caras cuadradas. Piensen en ello y verán que todas las aristas miden como uno de los dos lados de la hoja primitiva. Si no me equivoco hay dos posibilidades alternativas de apilación. Es una "obra de arte" que puede reproducirse en casa o en la oficina. Una vez concebida puede dar forma a un volumen e.g. una habitación.

Una obra similar una bola formada por papel arrugado, o una obra rota en varios pedazos elevada asimismo a la categoría de obra de arte por su presentación en la exposición.

Dificiles paradojas que nos llevan a los límites de la representación como la escalera que produce música en sus escalones y puede ser utilizada como instrumento musical.

La reacción del público es también fantástica.

En fin que seguro que disfrutan de Martin Creed y me permito transcribir la obra 76 que quizá describe una obra inexistente y que en sí misma constituye una obra de arte

Edición Ilimitada 1992

Si algo hay en esta obra es un intento de hacer algo, o nada. De no ser así el problema empezó al intentar establecer, entre otras cosas de qué material debería estar hecho algo, qué forma tendría, qué tamaño, cómo podría construirse, situarse, sujetarse, posicionarse, exhibirse, como podría ser transportado embalado, almacenado, certificado, presentado, puesto a la venta y a qué precio y qué cantidad de este algo podría haber si es que debería haber algo o nada.

Vemos en la exposición la tensión entre lo existente y lo no existente, entre el arte y lo que no lo es, los aspectos practicos de la obra artística, la representación de una misma idea con diferentes lenguages formales, la transmutación de un objeto cotidiano (incluso de gran tamaño como la sala de exposiciones) mediante la adición de un pequeño elemento (como un pedacito de goma de pegar en diferentes lugares del edificio) y tantos otros.

Ideas que despojadas de su ropaje formal, referidas quizá a una obra no existente, cobran un sentido frio y en cierta forma desolador.

Vistas de Madrid

2012-02-08T23:42:00.002+01:00

En la estación de Metro de Retiro de Madrid mi amigo Pedro Carrasco participa en una exposición colectiva de pintura "Vistas de Madrid". Autor de varias novelas, no duda en abordar temas sensibles como la vejez, la enfermedad, la homosexualidad, la diferencia... Desde aquí recomiendo su última novela publicada: "El reencuentro". Con elegancia y sobriedad vierte sus ganas de aprender de la vida y su audacia de sobreviviente en un blog de relatos muy breves cargados de ingenio. He colaborado con él en algunos proyectos plásticos, alguno de los cuales está aún pendiente de ver la luz.

Bueno, pues Pedro se ha ido aficionando progresivamente a la plástica y ha ido pasando de la abstracción a la figuración. Y en este proceso le han tutelado los pintores Alejandro DeCinti y Oscar Villalón. DeCinti y Villalón dirigen un espacio formativo en Madrid. Llamarlo academia es un poco limitar su alcance y su planteamiento. No se trata tanto de aprender técnicas artísticas como de convertir a las personas en artistas.

Y esto implica el aprendizaje de muchas habilidades diferentes. Me llegan los ecos de discusiones teóricas sobre la pintura, de su valoración del barroco, del enfoque a lo Vasari en que algunos pintores aportan formas de hacer que luego son utilizadas por otros artistas, del aprendizaje de métodos en un contexto en que cada alumno trabaja sobre temas comunes y otras muchas ideas luminosas que hablan de su pasión por la pintura. Ya se sabe que con frecuencia la vida te devuelve lo que tu le das. Si quieres que la vida te sonría suele ser mejor sonreirle a la vida.

Y en la estación de Retiro tenemos una muestra. Puesto que la mayor parte del arte se realiza para mostrarlo a otras personas, la academia organiza muestras que permiten el estímulo de los alumnos mediante la búsqueda de la perfección técnica y de la huida de la actitud rutinaria en la realización. La obra va a ser mostrada no a familiares o amigos sino a gente que reconoce los motivos representados. La exposición permite además la comercialización de la obra según me comentan a precios muy razonables.

Oscar Villalón

En su presentación se nos comenta cómo las visiones de Madrid desvelan no solo la visión particular de cada artista sino que lugares escondidos o poco importantes se elevan de categoría mediante su representación. Paisajes amplios conviven con interiores reconocibles, perspectivas audaces con descripciones frias, personas entretenidas en sus acciones con poses de mirada dirigida al espectador, ángeles que caen con túneles cotidianos para los madrileños.

Maite Martinez

Pedro Carrasco

La mano de los directores se manifiesta en la factura impecable y en las normas rígidas que subyacen a la muestra (tamaño, enmarcado...).

Sonia Fernández

Si viven en Madrid o están de paso disfruten de la representación de nuestra ciudad y de como puede ser vista de formas tan diferentes. Decía Vaquero que la pintura está unida al mantenimiento del recuerdo y citaba con frecuencia la historia de la mujer de un querrero griego que siluetea su sombra en la pared de la choza para que no se difumine el recuerdo tras su partida. Algo así sucede con las Vistas de Madrid en la estación del Retiro.

"Ars agnitum" en el Foro de Pozuelo

2012-02-03T23:53:00.000+01:00

Asisto en El foro de Pozuelo a la propuesta artística "Ars Agnitum" ideada por César Calafate. El Foro tiene una magnífica programación a cargo de Jesus Gironés que está empeñado en hacer de Pozuelo un sitio donde no sólo vivan artistas sino también un sitio donde el arte impregne la vida de la gente. Antes de llegar ya estoy muy favorablemente impresionado por el cartel de la exposición.

Ars agnitum; efectivamente se trata de arte que reconocemos. La idea base es la construcción de un espacio plástico afín a las cuevas en que se encuentran las pinturas rupestres. Siento debilidad por las pinturas rupestres desde que Vaquero nos enseñaba a verlas no únicamente desde una perspectiva antropológica sino como una manifestación artística. Pintar en un ambiente primitivo. En sus talleres, con dos soportes, un plano inclinado a poca altura y agazapados en el espacio creado pintábamos con tierras y carbón a la luz de una vela. Las pinturas rupestres toman una perspectiva diferente con la ausencia de iluminación. Rodeados de oscuridad, el recuerdo de la realidad, la idea de lo que se quiere representar, la imposibilidad de alejarse para ver el efecto, la incomodidad inherente al trabajo nos hace contactar con el medio de una forma casi mágica.

Y en la propuesta de los autores el resultado es brillante. Los artistas participantes son César Calafate, María Ferrero, Daniel García, Alicia Rey y César Ruano.

En la cueva reconstruida en la muestra, los artistas han representado imágenes variadas (pintura gestual, imágenes icónicas, representaciones simbólicas, estructuras jeroglíficas) con pintura luminiscente.

El aspecto fantasmagórico crea un ambiente mágico.

En una proyección de un vídeo que acompaña la exposición (¿podría sugerir a los autores que se cargara en la red de forma accesible -e.g. en youtube- ?) vemos el proceso creativo, el resultado y los pasos iniciales de la realización. Los autores han ejecutado la obra en un ambiente de completa oscuridad, únicamente iluminados por la luminiscencia de la pintura y no han sido ajenos al humor. Vean, mientras se ejecuta, algunos humanos primitivos persiguiendo automóviles y chamanes con sus lanzas para la posteridad de los venideros milenios.

Hablo con una de las artistas, Alicia Rey y me explica que se trataba de dejar libertad a cada uno de los artistas para recrear una situación adaptándola a su estilo básico dentro de unos condicionamientos estéticos (emulación de una cueva, pintura luminiscente, oscuridad en la ejecución) que hicieran aparecer un espacio creativo nuevo.

Nos trasladan al espacio creado y lo compartimos, disfrutando de lo que han extraido de la oscuridad. Una preciosidad de exposición.

Raymond Roussel

2012-01-29T13:30:00.003+01:00

Acudo en varias ocasiones a ver la exposición sobre Raymond Roussel en el Reina Sofía. Dejenme comentar que algunos de mis amigos se lamentan de la incomprensión del público hacia la abstracción y sin embargo me resulta complicado arrastrarlos a una muestra de arte conceptual o a una instalación. Creo que no se trata de que no comprendan el planteamiento sino más bien de un cierto rechazo a la presentación. Sin embargo es evidente que la razón provoca "sensaciones estéticas" como comentábamos a propósito de Boetti y sus seis sentidos.

Y bien, vamos a nuestro tema. Raymond Russel fue un escritor que vivió en Paris a fines del siglo XIX y principios del XX. Entre su obra Locus Solus, Impresiones de Africa (en frances) (en ingles y en español) y Cómo escribí algunos de mis libros.

Locus Solus da nombre a la exposición. Se trata de mostrar la obra de Roussel, el ambiente en que vivió y sobre todo su influencia posterior en las artes plásticas.

Roussel escribía sus obras sobre un método que luego veremos. Un ejemplo breve. El texto de "Entre los negros" que al parecer constituye el embrión de Impresiones de Africa. El texto completo con la traducción puede leerse aquí. Es una lectura corta, anímense por favor. La primera frase del relato es

Les lettres du blanc sur les bandes du vieux billard

y la última es

LES… LETTRES… DU… BLANC… SUR… LES… BANDES… DU… VIEUX… PILLARD.

La diferencia es únicamente una letra (billard/pillard) con aproxiamadamente el mísmo sonido, anunque el sentido de ambas frases es netamente diferente La traducción lo pone de mamifiesto

Las letras en blanco sobre las bandas del viejo billar

frente a

Las cartas del blanco sobre las hordas del viejo pillastre.

Noten el sentido de lettres (letras y cartas), blanc (color blanco y raza blanca), sur (escritas sobre y apropósito de), bandes (bandas del billar y hordas de bandidos), vieux (antiguo y anciano) y billard/pillard (billar y pillastre). Todas ellas toman un sentido diferente en función de una sola letra de la última palabra.

Roussel en sus obras utiliza todo tipo de máquinas no solo verbales sino también físicas. En el capitulo 9 de memorias de Africa nos describe prolijamente una de ellas. Este es un párrafo

Ligeramente doblado por la tracción del hilo metálico, el brazo se balanceó dulcemente y se detuvo, en lo alto, frente al ángulo izquierdo de la tela fijada al caballete. Pronto el pincel impregnado de aquel tono delicado trazó automáticamente sobre el borde del futuro cuadro

una banda de cielo, estrecha y vertical.

Algunas de sus ideas se han realizado físicamente. En la imágen una "Meta-Matic" de Jean Tinguely mostrada en la exposición.

Probablemente consideren que el resultado no es precisamente una "obra de arte". Volveremos a la máquina de creación de arte. Roussel era una persona con grandes posibilidades económicas que organizó la representación teatral de algunas de sus obras con acogida desfavorable por parte del público. Algunos surrealistas le defendieron incluso llegando a las manos. A una de aquellas representaciones acudió Marcel Duchamp.

La exposición muestra una réplica del Gran Vidrio. Recuerdo una vez más la luminosa interpretación de Octavio Paz de esta obre de Marcel Duchamp que ví en Galavisión hace más de veinte años. El subtítulo de la obra es La mariée mise à nu par ses célibataires, même, que se traduce por la casada desnudada por sus solteros. En la obra un ser biológico en el panel superior (la novia) deja caer unas partículas que desencadenan en el otro plano un movimiento de máquinas y voluntades entre los "solteros". La razón última del movimiento del mundo. Disfruten de la novia y de los solteros moviéndose alocada y maquinalmente bajo su influjo.

Roussel dió instrucciones para que despues de su muestra se publicara "Como escribí algunas de mis obras". Resulta que utiliza exhaustivamente palabras con sonidos similares no sólo como un artificio verbal sino también como la guía del relato. Una máquina de creación literaria en la linea de las máquinas mostradas en la exposición. En esta estupenda página pueden ver el detalle. Puede seguirse un texto más amplio de Hermes Salceda sobre Roussel.

Un procedimiento tan ingenioso y a la vez tan alejado de la emoción no cayó en el olvido. La exposición nos muestra algunas de sus derivaciones. Esta es una instalación de Guy de Coinntet proponiendo algo parecido a un jeroglífico tridimensional al modo de Roussel en el contexto de una instalación californiana.

Flujo de ideas a través de décadas de influencias entre diversas ramas del arte, arte conceptual, traducciones formales a diversos lenguajes plásticos... Todo eso y más puede disfrutarse en la exposición. Este es un programa de radio sobre la exposición y este es un video de la exposición.

Aun están a tiempo.

P.S.

Me comunican tres interesantes enlaces de Hermes Salceda sobre la obra de Roussel: uno de ellos sobre la influencia de Roussel en el arte(en francés), otro un articulo aparecido en la revista CARTA y un tercero sobre Nuevas impresiones de Africa (igualmente en francés). Muchísimas Gracias.

Marino Marini

2012-01-18T22:11:00.001+01:00

Acudo en varias ocasiones a la exposición de Marino Marini en Conde Duque. La solemnidad de las columnas de ladrillo resaltan el rigor y la constancia de Marini. Marini reelabora unos pocos temas dándoles diferentes visiones y tratamientos formales. La exposición, comisariada por Marisa Oropesa, permite, como debe ser, rodear las esculturas, alejarse y acercarse, verlas en un contexto de obras similares y ver simultáneamente dibujos, oleos y esculturas con tratamientos paralelos. El aspecto general es el de una cripta o un museo de arte antiguo. No en vano Marini utilizó como base técnica y como motivo el arte etrusco.

Cuatro grandes temas cubren la vida y la obra de Marini: retratos (expresivos o estilizados), acróbatas, pomonas y personas a caballo. En una de las visitas, la guía nos comenta que el mundo del acróbata de circo para Marini guarda relación con la actividad artística. El artista, en el límite del riesgo mantiene la tensión para mostrar al público lo mejor de sí mismo. Son esculturas y cuadros rigurosos y elegantes, sobrios como una danza clásica.

Las pomonas son deidades latinas de la abundancia y la floración. En la representación de Marini son afines a venus primitivas. Orondas y autosuficientes, surgen a veces de la propia tierra hundiendo sus piernas como raíces en el suelo. Tienen la fuerza del principio de la vida, de su continuidad.

Pero el tema del caballero abarca una gran parte de la exposición. En un principio casi un centauro. Es el hombre libre que al margen de la socidad mantiene su equilibrio, el balance entre la conciencia del jinete y la fuerza brutal del caballo.

La reelaboración de este tema conduce a Marini a una alegoría del hombre actual. Los caballos toman aspecto fálico. A veces se incependizan del caballero y tienen vida propia.

Poco a poco en la obra de Marini caballo y caballero, ese centauro que simboliza la fuerza primitiva y su encauzamiento por la razón, se precipitan en el abismo. El mundo a su alrededor les ha hecho perder pie. No han sido capaces de mantenerse equilibrados quizá porque el mundo, ese mundo convulso del siglo XX no les ha dado oportunidad. No les ha dejado resquicio suficiente para mantener su dignidad.

Jung en su libro sobre el hombre y sus símbolos cita a Marini. Pueden leer el pasaje en Google Books. No tiene desperdicio.

Extraigo una frase. Dice Marini

Si mira usted mis estatuas ecuestres... notará que se acrecienta constantemente el pánico del animal, pero que está helado y paralizado más que retrocediendo o tratando de huir... De esta forma intento simbolizar la última etapa de un mito agonizante, el mito del héroe individual y victorioso, del hombre de virtud, del humanista.

Reelaboración de temas y formas clásicas dándoles un nuevo sentido adaptado a su tiempo, trasmisión de una visión del mundo, adecuación del contenido con los elementos formales, belleza plástica y rigor en la ejecución. Todo ello configura a un gran artista. Una persona que ilumina el mundo indicándonos, como el profeta, nuestros errores y nuestras posibilidades.

Una exposición profunda y bella que seguro va a apasionarles. Este es un vídeo de la exposición

Sonia Mansberger y "La isla de los sueños"

2012-01-16T23:12:00.000+01:00

Desde hace muchos años conozco a Sonia Mansberger. Nacida en una familia de múltiples artistas plásticos, su padre Roberto Mansberger es un intelectual a la antigua usanza. De saber enciclopédico, ha recorrido el mundo entero como profesor, enseñando y difundiendo literatura española, traduciendo muy diversas lenguas e investigando sobre múltiples aspectos de la cultura. En ese peregrinar por el mundo (desde Oriente Medio a centroeuropa) ha llevado consigo a su hija que desde muy joven ha aprendido de forma natural las posibilidades de desarrollo personal que implica la creación.

Ha abordado campos distintos en su trayectoria pero su dedicación a la fotografía ha sido una constante en todo este tiempo.

No creo mucho en la diferencia entre pintura y fotografía. En ambos casos se trata de crear imágenes. Y Sonia en su último trabajo ha tratado de crear un conjunto de imágenes próximo al collage. Los ha publicado como un libro titulado "La isla de los sueños". A diferencia del collage clásico en que las partes que lo componen tienen orígenes muy diferentes, Sonia utiliza como elementos básicos fragmentos fotográficos de piezas creadas por ella misma. La utilización de métodos de procesamiento digital, permite la repetición de los motivos básicos y consiguientemente la creación de "rítmos" espaciales.

La autora nos comenta en el prólogo la génesis del proceso:

Al principio retoqué una simple foto que había tomado anteriormente... y luego la utilicé como un fondo escenográfico para esta serie de ilustraciones...

Este es un ejemplo (@Sonia Mansberger. El sueño de Neptuno)

Sonia ha desarrollado un conjunto consistente de imágenes creando un universo propio. En sus propias palabras

Todo transcurre, en efecto, en un lugar imaginario donde no existe una lógica, sólo una fantasía visual y estética que se mezcla con una mitología incierta en un fondo marino.

En su sitio web Sonia ha incluido este trabajo como ilustración. Con amplia experiencia en retrato (frecuentemente con un punto de ironía), fotografía artística o publicitaria (en que podemos rastrear la senda que le ha conducido a la isla de los sueños), nos sugiere así la utilización del "collage fotográfico" como una técnica narrativa subordinada a un texto escrito.

En "La isla de los sueños" se ha dejado llevar por las propias imágenes ilustrando un texto inexistente. (@Sonia Mansberger. El reflejo de Narciso)

Sería interesante seguir el proceso inverso y que algún escritor tratara de crear un texto sugerido para ese conjunto de imágenes sugestivas y bellas creadas por Sonia.

Pablo Palazuelo en la Galería Fernandez Braso

2012-01-13T22:19:00.000+01:00

Muchas veces hemos comentado las actividades que realiza la Galería Juan Gris. Magníficas exposiciones de artistas destacados acompañadas de catálogos excelentes. Los mismos galeristas han abierto un nuevo espacio unas manzanas más alla, en el Barrio de Salamanca, la Galeria Fernandez-Braso. Y para la inauguración han comenzado con una exposición de Pablo Palazuelo. Es una delicia visitar un espacio tan amplio y acogedor con un contenido maravilloso

La labor del galerista, al menos no en la Galería Fernández Braso, no acaba con la presentación de la obra sino que se acompaña de un catálogo que en este caso es una auténtica monografía e incluye entrevistas e incluso algunos poemas de Palazuelo. Puede descagarse aquí

Visité la exposición hace unas semanas con amigos que habían conocido directamente a Palazuelo y pudimos comentar la amplitud de lo mostrado. Del propio catálogo entresaco alguna frase que pone en contexto la relación entre la abstracción geométrica de Palazuelo y el constructivismo.

¿Hay alguna relación entre tus estructuras formales y las de los constructivistas? Actualmente ninguna, aunque en un momento dado, por los años 50-51, llegaron a interesarme y los estudié bastante. Esto se advierte en algunas obras de aquellos años. Aquel interés se debía a lo intrigado que andaba yo por todo lo que tenía que ver con la geometría. Era como si algo me estuviera haciendo señas muy insistentes para que me acercara. Aquello no me dejaba en paz.

Visto desde fuera no me parece tan lejana, ni mucho menos, la obra de Palazuelo con las de otros constructivistas.

Ahondando en el pensamiento de Palazuelo creo que la entrevista que Santiago Amon en 1976 en la revista de Occidente explicaría mejor algunas de sus ideas plásticas y de su trabajo artístico. Este es un amplio resumen de algunos de sus contenidos

Mi intención es penetrar cada vez más profundamente los, para mí, secretos de la formación y de la forma. Puedo añadir que a tal fin manipulo «a mi manera» lo que se puede llamar «un código de órdenes preexistente» (la geometría sería «una» de las manifestaciones de ese código).

Manejar un medio sin saber lo que es o cómo funciona sería para mí el colmo de la frustración (lo es incluso para muchos artistas que han llegado a un alto nivel de realización). La conciencia está para algo, aunque también pueda desviarse de su fin. Caminar de intuición en intuición, por muy iluminadoras que éstas sean, es incompleto. Uno «queda fuera» de algún modo. Intuiciones e iluminaciones son simientes que pueden perecer, chispas que se apagan, sin combustible.

Todo artista verdadero es independiente, y no al revés (tómalo como quieras en mi caso). Cierto que si los que se ocupan de él se lo proponen, terminan por incluirlo en alguna clasificación. Conviene, sin embargo, advertir que primero estaban las obras y que sólo después fueron clasificadas y por personas que no las habían hecho

La operación de los puntos, líneas, superficies y colores es larga, lenta, tortuosa, llena de errores, de cegueras, de dudas, angustia y peligro, pero también se dan, a lo largo de ella, paz, equilibrio, profunda satisfacción, placer y libertad exhilarante, porque se trata de cifrar la convergencia del afecto del que pinta con el sentir de la naturaleza.

Si operar con una cierta geometría es ser «constructivista», lo seré como también lo serían los matemáticos los físicos. químicos y biólogos..., que se valen del número y practican la geometría. Más o menos conscientemente, la geometría es sentida por todo artista plástico.

Es cuestión, como dije, del «sentir que piensa». El ángulo recto (que yo a veces también empleo) me transmite la impresión de freno brusco, de parada (por eso es estático). La diagonal, a la inversa, me sugiere el paso a otra cosa, el «traes» (tránsito, transposición, transformación, transgresión...). Los ángulos agudos y obtusos evocan más intensamente transformaciones violentas o sosegadas.

Las imágenes (lo imaginado) son el vehículo de fuerzas psíquicas primeras. y son para mí «más fuertes» que las ideas. La imaginación primitiva (desde «los orígenes») siempre sintió los colores como masculinos (blanco, amarillo, rojo) o femeninos (negro, azul, verde). Aun hoy día, y de una manera casi unánime, se considera a los colores, por sus cualidades, como irritantes o sedantes, agresivos o acogedores, calientes o fríos. Cuando trabajo con el rojo (el rojo que inunda anchas playas temporales de una forma de esplendor) siendo desgaste, calor, irritación. Tras este ardor continuo que además, y por pura imposición (que se impone), produce a veces ceguera (es decir, impide ver bien las tonalidades: podría decirse que impide imaginar la tonalización), se siente la necesidad, casi biológica, de bañarse en azules, de calmarse con los verdes y de reposar en el negro aterciopelado, penetrado de sordos, lejanos, rumores o totalmente silencioso. Aunque puede parecer extraño (a mí me lo parece), los colores se pueden escuchar en cierta manera, Kandinskv decía «sonoridad amarilla».

En este video puede verse al propio Palazuelo hablando de su obra, el azar, su método, los materiales usados, la relación entre su pintura y su escultura y otros temas similares junto con una valoración de la obra de Palazuelo por parte de otros artistas

Lo dicho, es una delicia encontrar una exposición tan amplia y bien concebida en un nuevo espacio.

Datos del año 2011

2012-01-02T21:03:00.000+01:00

Comenzamos el blog en el 2011 y coincidiendo con el comienzo de 2012, me gustaría compartir con ustedes la información de que dispongo. Desde Abril el seguimiento del blog se realiza por Google Analytics

Entre el 1 de Abril y el 31 de Diciembre se registraron 2927 visitas o sea unas 300 visitas por mes. Como algunas personas que visitaba el blog accedían a varias páginas (posts), en este mismo periodo se vieron 5591 páginas, o sea unas 600 páginas vistas por mes. Este es el gráfico que muestra la evolución por meses

El tiempo de permanencia en el blog en este periodo fue de 2 minutos y 21 segundos.

Las visitas vinieron sobre todo de América y Europa. Dentro de España cubren la mayor parte de las provincias españolas. Este es el mapa del orígen de las visitas.

Respecto al origen de las mismas aparte de las búsquedas en Google tengo que agradecer de todo corazón a Arte en Madrid, Al despertar de un sueño intranquilo y Arteinformado. Tres espacios modélicos al menos para mí.

Y ¿qué decir de los temas?. Aparte de la página de entrada los más visitados han sido los dedicados a Flaxman, Yinka Shonibare, y Elena Asins.

Hemos intentado juntar en este tiempo cosas distintas, artistas consagrados y artistas poco conocidos, pintura clásica y pintura actual, tecnicas clásicas e instalaciones o performance. Porque así es la vida, nos gustan y nos impresionan cosas muy diferentes del gran rio del arte. Muchísimas gracias por su atención todo este tiempo.

El romanticismo, Delacroix y Goethe

2011-12-18T21:38:00.000+01:00

Vamos a comparar dos personajes, uno de ellos ciertamente atípico pero que probablemente compartía y representaba los valores del siglo XVIII, los valores del antiguo régimen. Se trata de Giacomo Casanova (1725-1798) tal y como aparece en sus memorias. Por otra parte un personaje de ficción de comienzos del siglo XIX, el joven Werther, el personaje de Goethe. Giacomo era un libertino pero básicamente respetaba el orden social y el esquema de valores de su sociedad. Werther era una persona ordenada pero cuyas ideas ya no estaban alineadas, más que libertino, tenía "libertad". Y ¿Qué había sucedido en esos decenios en que la edad moderna dejó paso a la edad contemporánea?. El romanticismo con su valoración de la emoción, de la sinceridad, de la naturaleza, con su revisión del pasado había irrumpido en Europa tras la revolución francesa trastocándolo todo.

Hoy en día hablamos de que una persona es rómantica cuando como dice la canción "es de esos amantes a la antigua que suelen todavía mandar flores" y a quien "le gusta contemplar la madrugada soñando entre los brazos de su amada".

Pero el romanticismo es algo mucho más amplio y mucho más complejo. Tiene traducción en la música, en la literatura, en la plástica... En pintura al menos toma, en los principales paises europeos, formas muy diferentes. Pensemos en los retratos de Thomas Lawrence en Inglaterra, las obras de Friedrich en Alemania o los apasionados cuadros de Delacroix. Tienen en común el rechazo a las formas neoclásicas del XVIII pero no son muy parecidos entre sí. Las estribaciones de la cordillera romántica que impregna todo el siglo XIX llegan a la secesión vienesa, al surrealismo o a los prerafaelitas. Muchas de las ideas románticas se deslizan en nuestras vidas como si no hubiera alternativa posible.

Bueno, pues ahora en Madrid hay varios espacios en que se muestran contenidos que tienen que ver con el romanticismo. Por un lado se ha reabierto el museo del romanticismo. Mercedes nos lo ha contado y Matritensis nos ha detallado un recorrido por el interior. Siguiendo su estela pude visitarlo y disfrutar del ambiente del XIX. A la salida de regalo había una exposición sobre romanticism ruso

Y además hay una exposición enorme que cubre toda la obra de Delacroix en Caixaforum

La muestra es estupenda y cubre trabajos de aprendizaje, retratos a la inglesa, ilustraciones del Fausto, temas orientales, imágenes simbólicas de los conflictos de la época... Este es un video en frances en que Sebastien Allard conservador jefe de pintura del museo del Louvre nos comenta la exposición. Y en este vídeo pueden ver la exposición

Vamos a comentar una de las obras maestras, mujeres de Argel.

Un interior árabe preciosista con un juego de luces que delimita con precisión un espacio complejo. El personaje de la izquierda contempla al espectador sin demasiado interés, los dos personajes centrales intercambian confidencias. Un personaje a la derecha vestida quizá con mayor humildad, tal vez una sirvienta, escucha y atiende sin participar. Este personaje me recuerda algunos de Rafael, que con frecuencia realizaban varias acciones a la vez. En concreto en el famoso cuadro del Prado Caida de Cristo en el camino del Calvario el personaje de la izquierda está subiendo un montículo, al notar la tensión en la cuerda por la caída de Jesús mira hacia atrás para ver lo que sucede. Tres acciones en un solo instante. El personaje de la derecha de Delacroix anda y aparta la cortina o quizá muestra sorpresa al oir el murmullo, lo que hace que su atención se dirija al centro de la escena. La mujer de la izquierda permanece ajena a todo ello. No le importa. El efecto es en cierta forma similar en ambos cuadros, una instantánea en una acción compleja, un instante cargado de sentido.

Y en fin muchas otras cosas podríamos decir. Me gustaron las ilustraciones del Fausto que pueden verse en Gallica en su sitio original, ilustrando el libro. Al parecer hicieron exclamar a Goethe que había superado su propìa visión. Y aquí volvemos a Goethe y a Delacroix y al romanticismo. Así que veamos qué opinaba el joven Werther sobre la pintura a ver si reconocen algunas de las actitudes modernas

"Mi pincel y mi lápiz no podrían trazar hoy la menor línea, dibujar el menor rasgo, y no obstante, jamás me he sentido tan gran pintor como hoy" (10 de mayo)

"Después de una hora encontré que había hecho un dibujo bien entendido, un cuadro muy interesante, sin haberlo pensado ni haber puesto nada de mi parte. Esto me confirmó en mi propósito de no atenerme más que a la naturaleza misma, porque ella sola es la que tiene riquezas inagotables y la que forma los verdaderos y grandes artistas" (26 Mayo)

"El príncipe es aficionado al arte y hasta llegaría a ser inteligente si no estuviera tan atado al principio pedantesco de las reglas y la terminología" (11 de Junio)

"Ossian ha desbancado a Homero en mi espíritu". (2 de octubre)

Parece que no suena demasiado raro a nuestra sensibilidad.

La acróbata de la bola en el Prado

2011-12-15T23:43:00.000+01:00

Me llevan a ver "la acrobata de la bola" de Picasso que está actualmente en el Prado en virtud de un préstamo del museo Pushkin de Moscú. Una sala fantástica, amplia, con un solo cuadro en una de las paredes y un banco que permite disfrutarlo. Este es el cuadro

Picasso. La acróbata de la bola (tomado de Ciudad de la Pintura http://pintura.aut.org/)

Un amplio espacio que como las montañas en los paisajes chinos se va alejando por superposiciòn y porque los colores se van haciendo cada vez menos contrastados en la lejanía. Ausencia de claves espaciales excepto el tamaño de los personajes y las diversas lomas que se pierden a lo lejos.

En la primera loma un hombre fuerte y anguloso, sentado de espaldas al espectador sobre un cubo mientras una grácil muchacha hace equilibrios sobre una bola. En la segunda loma parte de una familia: una mujer, unos niños y un perro. En la tercera un caballo pace libre y solo, luego una montaña. Finalmente el cielo. Parece sugerir un contenido simbólico más alla de su belleza formal.

Lo comento con otros pintores y me dicen ¿Como vas a saberlo con certeza? Bueno, hay varios métodos. Es posible que Picasso dejara escrito o comentara algo públicamente. Es también posible que contara algo sobre su sentido en alguna carta o se lo comentara a alguien que a su vez lo recogiera. Podría suceder que vista la obra en conjunto con las realizadas en el mismo periodo se nos desvelaran sus preocupaciones e intereses. Puedo leer la mayor cantidad posible de interpretaciones. Siempre queda un intento analítico desesperado: prescindir de cualquier otra información y ver lo que me sugiere al margen de cualquier otra consideración. Vamos a ello.

Hasta donde conozco Picasso no escribió directamente nada sobre la obra. Sí que escribió algunas cosas sobre la interpretación del arte. Esta es una muestra "Todo el mundo quiere entender la pintura ¿Porqué no tratan de entender el canto de los pájaros? La gente ama la noche, una flor, odo lo que les rodea sin tratar de entenderlo. Excepto la pintura, tienen que entenderla".

¿Debemos renunciar a su interpretación? pienso que no. Por un lado Picasso podría mentirnos, por otro lado quizá el propio Picasso no entendiera su obra. No se trataría de algo excepcional.

El cuado fue pintado en 1905. Estaba en la transición entre el periodo azul y el periodo rosa. El periodo azul está constituído por grisallas en tono azulado. El periodo rosa por el contrario mantiene una doble gama de colores complementarios, azul y rosa. Nuestro cuadro es también un ejemplo de ésto. Los temas cambiaron a la vez que la aproximación plástica. Visiten por favor esta espléndida linea temporal y céntrense por favor en 1905. Verán que los bellos y agobiantes temas del periodo azul, tristeza, soledad, desesperanza, seres marginados dejan paso a formas más sociales, grupos familiares en el límite entre la integración y el desarraigo.

El cuadro permaneció a Gertrude Stein y existen bonitas fotografías (ver pg 251) que lo muestran ocupando un trozo de pared entre otros muchos. Picasso era amigo de Apollinaire que moriría en 1918. El propio museo del Prado recoge algún comentario de Apollinaire sobre el cuadro. Una interpretación casi cósmica en la linea de la alquimia o de los arquetipos intemporales.

También en ese tiempo conoce a Fernande Olivier con la que convive casi una década. Mucho despues Fernande publicaría un relato de aquella época. Se ha comentado que los numerosos cambios estilísticos de Picasso correspondían con novedades biográficas. No he podido conseguir todavía el libro de Fernande quizá contenga alguna aclaración definitiva sobre el sentido del cuadro.

Vamos a lo que pintaba Picasso en aquella época. Vemos que el esquema de lomas para abordar un paisaje lo había utilizado en algún otro cuadro de la misma época. Los personajes también se repiten entre los diversos cuadros. Al parecer acudía al circo Medrano. A Picasso no le interesaba tanto el espectáculo como la vida del grupo que lo sustentaba. El personaje de la acróbata aparece en otro cuadro del mismo periodo. Otros temas de la misma época muestran mujeres que enseñan sus hijos a sus parejas, sólidos grupos familiares, apoyo entre personas de diferentes edades... estructuras familiares en el límite de la marginalidad.

Y ¿qué se ha dicho del cuadro?. Pues muchas cosas y variadas. Se ha destacado que el personaje central piensa sobre la acróbata. Se ha comentado incluso que envidia su habilidad. Se ha puesto de manifiesto el poder simbólico del cubo y la esfera. Símbolos, símbolos, todos percibimos el valor simbólico de la obra. Evidentemente el cuadro muestra muchos opuestos (fuerza/equilibrio, azul/rosa, soledad/grupo, cercanía/lejanía, límites angulados/suaves...) todos ellos están integrados en la vida.

Queda un último recurso: pensar en el cuadro al margen de cualquier otra interpretación. Los personajes no interactúan entre ellos. El caballo parece ajeno a todo, la mujer con los niños y el perro nos da la espalda, la acróbata está concentrada en el equilibrio aunque quizá sienta que puede ser observada. El personaje de primer plano, casi un macho alfa alejado de la manada, tampoco mira lo que sucede. En la plenitud de su fuerza, quizá atisbando su declive, reflexiona. Podría incluso tratarse, como en el cuadro de Gauguin, de una visión. Como en un filme de nuestro tiempo los planos imaginarios y reales no están necesariamente separados. No lo creo. Quizá nuestro protagonista piense en qué hacer con su vida. ¿Soledad, familia, ejercicio, reposo? ¿Qué hacer cuando en la plenitud sientes los opuestos que tiran de tí en todas direcciones?. Sólidos perfectos que debes combinar ejercitando tus opciones. Como el viajero que contempla un mar de niebla atisba mucho mundo pero no tanto en la naturaleza sino en la vida.

Y así llegamos al final con más preguntas que respuestas. Suele suceder.

Jose Carlos Martínez Aroca

2011-12-06T01:46:00.000+01:00

El dibujo de desnudo constituye una etapa básica en la formación clásica del artista. Una vez superado el dibujo de escayola y por tanto con un cierto conocimiento del claroscuro y de la proporción, de la situación del objeto en el espacio y de la relación entre el fondo y la figura, frecuentemente en paralelo con el dibujo de naturalezas muertas se aborda el desnudo. La dificultad deriva de varios aspectos. Por un lado el modelo no mantiene una inmovilidad perfecta, por otro lado la gama cromática es mucho mayor y extremadamente sutil. Enfrentarse a un objeto real con cierto movimiento es una experiencia extraordinaria.

De hecho en la formación clásica era una de las fases del aprendizaje a que se concedía mayor importancia. Conservamos magníficas colecciones de dibujo destinado al aprendizaje en que el artista se explaya abordando los encuadres más insólitos, los juegos de luces y sombras, ordenando el fondo para que destaque con mayor claridad la figura, jugando con las luces reflejadas para destacar volúmenes ocultos.

A veces se llama "academias" al género que describimos. Un ejemplo es la colección de dibujos antiguos de la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes de la Complutense de Madrid. Como se nos indica maravillosos dibujantes algunos de los cuales fueron pernsionados en Roma. Entre los autores recientes siento predilección por Tony Ryder que realiza unos grafitos de extrema precisión, delicadeza y realismo. Este es un libro en Amazon en que Ryder describe sus técnicas.

O sea que el dibujo de desnudo con pose del natural constituye una etapa fundamental que además mantiene plena vigencia. Comentaba nuestra amiga Rebecca Ivatts que el desnudo es lo más inmediato, lo más intenso en nuestras vidas. Frecuentemente un artista con una trayectoria prolongada retoma un dibujo de pose únicamente por el placer de recordar las sensaciones experimentadas hace tiempo.

Hace unos años asistí a un consejo de un artista consagrado que le comentaba a otro artista que el desnudo de pose había sido tan abordado y con tanta maestría en el siglo XIX que no era posible hallar una aproximación original.

Bueno pues a pesar de todo, todas las tardes en el Círculo de Bellas Artes de Madrid grupos masivos de artistas pasan horas dibujando poses de desnudo, desde poses cortas que solo permiten un apunte a poses de semanas que permiten una aproximación de óleo sobre lienzo.

Decía Ramón y Cajal que no hay cuestiones agotadas sino hombres agotados en las cuestiones.

José Carlos Martinez Aroca expone actualmente en el Circulo de Bellas Artes obras que han sido realizadas en el mismo centro. Oleos y pasteles a partir de las poses del círculo. Este es un ejemplo de su obra

Los que hemos dibujado en el Círculo reconocemos de inmediato las poses. Quizá lo más interesante sea el lenguaje que utiliza Jose Carlos para abordar el desnudo. Suele hablarse de falso color cuando un objeto que carece de variación tonal (e.g. una imágen radiográfica o un mapa de relieve) se representa mediante una gama cromática artificial. También en pintura se ha utilizado desde hace mucho tiempo una representación de la realidad en que los colores de la obra no aspiran a imitar los colores de la realidad sino a trascenderla Se dice que Gauguin le dijo a Serusier algo así como «Si vés amarillo elige el amarillo más estridente que tengas en la paleta y aplicalo al cuadro».

Nuestro artista utiliza una preciosa simplificación de color en que las zonas iluminadas del modelo se representan en colores cálidos y las zonas de sombra en colores fríos. Puesto que los amarillos/naranjas aparecen como más claros que los azules se define una zona de luz y sobra que delimita su volumen como en un claroscuro convencional.

Claro que dentro de la región de luz y de la región de sombra aparecen sutiles variaciones tonales dentro de la misma gama que derivan de la observación atenta de la pose.

No se trata de un ejercición automático de traducción de escala de grises a un "falso color". Más bien es una representación de la emoción de la luz al incidir sobre el modelo y una forma de destacar su presencia. El artista no se desentiende del ambiente sino que lo integra en una imágen sutil.

En resumen una representación elegante y atractiva de "academias" con un elevado grado de rigor y análisis de formas utilizando un esquema cromático original y claro.

Google Street View. El azar y la selección en el arte.

2011-11-24T20:44:00.000+01:00

Esta semana apareció una noticia que a primera vista podía resultar sorprendente. Los medios de comunicación recogían una forma de arte basada en Google Street. Como es sabido Google dispone de unos vehículos dotados de cámaras que fotografían las calles de las ciudades de una forma sistemática. El objetivo es obtener una descripción detallada que permita la ubicación de comercios y otras muchas aplicaciones. Entre ellas naturalmente no se encuentra la de crear arte. El fotografo Aaron Hobson ha utilizado imágenes obtenidas por este procedimiento para, aisladas de su contexto, convertirlas en piezas artísticas. Este es un ejemplo escogido por Aaron Hobson

Google Street View. Selección por Aaron Hobson

Solemos creer que la intencionalidad constituye uno de los rasgos más importantes de la creación artística. ¿Dónde está la intencionalidad de un conjunto de vehículos que de forma exhaustiva recorren el mundo generando una cantidad de información que no puede ser ni siquiera visualizada de forma completa?.

Y en este momento tenemos que volver a Vaquero. Uno de los ejercicios que proponía en sus cursos era la creación mediante un proceso al azar. Utilizando lápices de colores, grafito, rotuladores, aguadas, acrílico y otros muchos medios se producía una imagen básicamente al azar. Posteriormente se extraían recortándolos fragmentos de estas imágenes que constituían la base para la creación de otras obras. Curiosamente aparecía un fenómeno extraordinario. La serie de imágenes secundarias constituían una “serie” consistente. Puesto que compartían gestos básicos y realización formal se convertían en variantes de una misma idea que a la vez era amplificada.

O dicho en otros términos. La utilización del azar como base a partir de la que la selección crea. El proceso artístico se encuentra más en la selección y en la propia intencionalidad de utilizar como base un proceso aleatorio. Este es un ejemplo

ejemplo desarrollado por mí mismo en los talleres dirigidos por Joaquín Vaquero

Recuerdo que Vaquero era un enamorado del denominado Art Brut. Enfermos mentales realizaban creaciones artísticas de sorprendente belleza y originalidad. Sin embargo en su selección incorporamos el gusto artístico de la persona que selecciona. Como saben bien los estadísticos, la muestra de objetos seleccionados no es representativa del universo original si no utilizamos un proceso de muestreo al azar.

O sea que el art brut habla tanto de la persona que selecciona (en cierta forma creador) como de la persona que ejecuta. La persona que selecciona introduce un “sesgo”

El azar y la selección. ¿No se trata de un proceso similar a aquel del artista que selecciona para la muestra lo que considera mejor de su obra? ¿No es habitual en el artista de cualquier disciplina que destruya la parte de su obra que considera que no debe ser mostrada?

La tecnología actual como en Google Street permite una inabordable profundidad. En Gigapan pueden verse imágenes de altísima resolucion. Retratos, poses, relaciones están ahí esperando a ser rescatadas para el arte.

La compleja, lenta y costosa realización de la obra está ahí al alcance de nuestros dedos esperando que actúe nuestro proceso artístico de selección. La combinación de azar y necesidad.

Y volviendo a la selección. ¿Existen normas para ella? Vaquero una vez más acentuaba una frase do Goya que constituyó el motivo de su discurso de ingreso en la academia. No hay reglas en el arte. O quizá haya alguna. De hecho una nueva disciplina la neuroestética nos habla de los mecanismos íntimos del placer estético. De alguna forma no toda la realidad es susceptible de convertirse en arte. El artista, en base a su sensibilidad o a su aprendizaje es capaz de traducir a lenguaje artístico la realidad pero el círculo solo se cierra si el espectador presente o futuro lo siente así, si puede reconocer como artístico el trabajo realizado.

En el test de Roscharch se trata de ver imágenes en manchas al azar.

lámina del test de Roscharch. Tomada de wikicommons

Si mal no recuerdo la persona inteligente ve muchas imágenes de movimiento así como imágenes originales y bien vistas. Se llama originales si la mayor parte de las personas no las ven pero únicamente se denominan bien vistas si una vez que se muestra la interpretación otras personas reconocen que también pueden verlo. Algo parecido sucede en la visión artística: una vez mostrada, el resto de la gente reinterpreta la realidad a la luz de la imágen artística.

Google earth, art brut, gigapan, mecanismos de creación basados en el azar y tantas otras nos hablan del círculo del arte. El artista crea la obra a partir de una selección de la inabordable realidad, el espectador decide si su visión es correcta y si produce un efecto placentero a veces condiciona su propia comprensión del mundo que en alguna medida ha sido modificada a través del arte.

Antonio Cañete

2011-11-18T20:52:00.000+01:00

La pintura figurativa es una representación de la realidad. Una obviedad. Pero esta obviedad encierra alguna sutileza. Al margen de otras muchas consideraciones la visión de la realidad, incluso la de un plano inmovil, se realiza mediante movimientos oculares muy rápidos (como sacudidas) que producen un conjunto de visiones parciales. La "ficción" de la realidad surge de la integración mental de todas esas microrealidades. No todo el espacio tiene el mismo valor. De hecho nuestra intención conduce el movimiento ocular a la estrategia más conveniente.

Cuando un pintor refleja la realidad aborda el camino inverso. Traduce la imágen mental que ha creado a un sistema de masas de color que son susceptibles de ser exploradas por el espectador como si de la misma realidad se tratara. Evidentemente la disposición de las manchas, la elección de los colores, el modo en que se relacionan con los colores que les rodean... forma parte del núcleo duro de la forma de representación lo que constituye el estilo de un artista.

Piensen en los perfectos degradados renacentistas, en las apasionadas pinceladas románticas, en los ordenados análisis puntillistas o en la maravillosa gama de atormentados experimentos de la escuela de Londres (e.g. aquí, aquí , aquí o aquí)

Y toda esta introducción viene a cuento de la exposición de Antonio Cañete en el Centro Cultural Villa de Móstoles. Acudo a la inauguración esta semana. Los cuadros de Antonio utilizan un estilo bien definido. Masas de color plano y rotundo que se interdigitan con las masas vecinas formando contornos variados y sinuosos. El artista aplica esta forma de representación a fragmentos (de rostros, de escenas, de poses en movimiento) que evocan la totalidad de la que parten. Un único recurso produce sin embargo impresiones diferentes.

A veces en un retrato nos sugiere inestabilidad, casi un halo de inseguridad, como si la propia indecisión en ocupar un lugar se tradujera en la inestabilidad de la representación

Antonio Cañete. Carnaval

A veces se sugiere la vibración que produce el efecto invisible del aire en los exteriores que contemplamos desde la lejanía

Antonio Cañete. La salida

A veces constituye un recurso expresivo que acentúa la tensión de una danza o inmoviliza un momento en que un medio fluido, lleno de reflejos y deformaciones modifica nuestra visión.

Antonio Cañete. Buceador II

Acudo a la exposición con un fantástico grupo de amigos pintores que me comentan aspectos que me habían pasado desapercibidos como la sutileza en el manejo del color en los retratos que, variando con el personaje, le confieren un carácter de retrato psicológico.

Pero no querría acabar sin destacar un aspecto más. La pintura es un gesto y en muchas ocasiones "se pinta como se es". Antonio es una persona directa y sus obras también lo son. Su discurso plástico es claro y bien organizado (manchas de color bien diferenciadas, amplia excursión de claros y oscuros, valentía en la utilización de manchas de gran tamaño, constancia en los elementos utilizados) y nos sugiere una lectura de la realidad sin ambigüedad. Su pintura establece una comunicación directa con el espectador y hace que los asistentes comenten hasta que punto uno u otro trabajo les ha resultado más evocador y ha producido en ellos el recuerdo de imágenes casi olvidadas.

Soledad Sevilla y Santiago Olmo

2011-11-15T20:55:00.001+01:00

El palacio de cristal del Parque del Retiro de Madrid es una construcción en metal y cristal rodeada de árboles, caminos de tierra y un pequeño estanque. Mercedes le ha dedicado una entrada a su historia. Desde hace bastante tiempo se dedica a exhibición de arte. A diferencia de las exposiciones de la Casa de Vacas o la Casa de Velázquez (los otros dos espacios dedicados a la exhibición de arte en el parque del Retiro) el palacio de cristal suele exhibir una única obra de gran formato, una gran instalación que ocupa el espacio diáfano de las naves. Y este es el caso ahora, Soledad Sevilla expone una obra diseñada específicamente para este espacio con el título “Escrito en los cuerpos celestes”.

Soledad Sevilla es una artista de larga tradición que estuvo en relación con el legendario Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. Hablamos de ello en relación con Elena Asins.

Y vamos a la obra. Desde el exterior, cuando llegamos se adivina, una estructura interior que llena el palacio como un fluido oscuro

Una vez dentro observamos que se trata de algo simila a la bóveda celeste en una noche clara. Nuestro firmamento artificial ha llenado el palacio de cristal y una falsa noche nos rodea

Hay, sin embargo una diferencia sutil. Las estrellas no son tales sino que han sido sustituídas por paréntesis, interrogaciones, comillas...

La gente sale fuera o se introduce en el espacio entre la bóveda y el palacio de cristal para disfrutar mejor del efecto conseguido adentrándose de esta forma en los intersticios entre las capas, un juego de muñecas rusas formado por la boveda artificial, el palacio de cristal y la propia boveda celeste.

Dos comentarios respecto a la obra.

Vaquero hablaba en sus cursos del cambio de escala en el arte, una maqueta nos hace ver el efecto global pero introducirnos en el espacio nos sobrecoge. Ampliábamos una letra china convertida de esta forma en una abstracción gestual. Soledad en la documentación de su obra nos muestra unas preciosas maquetas digitales de la instalación. Aunque son muy interesantes, la sensación global al introducirse en la obra es otra cosa.

Hemos visto efectos similares a propósito de Elena Asins y Yayoi Kusama.

Pero no todo lo que nos deslumbra es arte. Un parque temático, un efecto de la naturaleza como un arco iris o un paisaje abierto tambien nos sobrecogen. La diferencia con el arte probablemente se encuentra en la intencionalidad del artista y en su eventual interpretación.

Les sugiero que se detengan en este momento e intenten encontrar un sentido a la obra. ¿Se trata únicamente de poner de manifiesto un efecto visual? ¿Qué ha pretendido la artista?

No creo que hayan superado la interpretación aportada en la documentación de la obra y cuyo autor es Santiago Olmo.

“...el cielo parece estar dentro y fuera: en el exterior el cielo solar y las nubes, dentro una reconstrucción imaginaria del firmamento nocturno con las formas básicas del edificio. Los cristales abren al cielo y en su interior encierran nuestro universo mental: el lenguaje, o más que eso, un universo de signos que dotan a la escritura con la vida y el sonido del habla...

... un observatorio astronómico mental para un universo interior. La instalación se resuelve así en una paradoja poética y espacial, entre interior y exterior, entre ver y percibir, entre hablar y escribir...

se transforma hoy en un espacio de reflexión sobre el lenguaje de los signos, subryando su fragilidad sin las palabras...”

No creo que deba añadir nada a esta preciosa interpretación salvo quizá que si podemos escribir en los cuerpos celestes, hacerlos interpretables con nuestros signos o nuestras instalaciones no todo estaba predeterminado y nuestro futuro, al menos en parte, depende de nuestra propia escritura.

Alexandr Deineka en la Fundación Juan March

2011-11-13T21:57:00.002+01:00

Hace unos meses en Caixaforum finalizó una exposición sobre "Construir la Revolución". Este es el video en que se describe la exposición. Sorprendentemente no se trataba de una presentación ideal de la creatividad en la Rusia soviética sino que mostraba en paralelo los diseños o proyectos originales y el estado en que se encontraban actualmente. En este video se puede ver ampliamente la exposición. Nuevos diseños para el futuro, creaciones nuevas para las necesidades que surgían. Verlo en paralelo con el lamentable estado actual nos hablaba de que personas brillantes, poniendo lo mejor de sí mismos, trabajando con constancia habían creado un universo que como las ruinas de Pompeya se había detenido en el tiempo.

Las causas del colapso son profundas pero probablemente pueden ser explicadas en parte viendo una estupenda exposición que comentó Mercedes hace poco en su blog. Se trata de una exposición en la Casa Encendida. La exposición describe como las vanguardias fueron sustituídas por el llamado arte oficialista soviético. Un resumen en video de la exposición puede verse aquí o aquí. Vemos como los artistas poco a poco tuvieron que aprender a convivir con el poder, perder iniciativa y adaptar su forma de hacer a los gustos oficiales.

Y en estos mismos meses en la Fundación Juan March podemos ver la obra de un artista ruso que trabajó precisamente en esta época Alexandr Deineka. En el propio enlace de Wikipedia podemos ver una amplia representación de su obra. Una visión más amplia con una ordenación excelente puede verse en una página dedicada a él: http://www.deineka.info

Hace unos meses veíamos la fascinación que la vida moderna representaba para Lartigue. Ahora tenemos una sensación similar. Este es un cartel que muestra el deporte como superación y como construcción

Deineka Trabajar construir y no lamentarse. Tomado de www.deineka.info

Él mismo se representa de forma parecida

Deineka. Autorretrato. Tomado de www.deineka.info

Su obra tiene múltiples recursos que la hace atractiva, utilización moderna del espacio, simplificación de formas y colores, emoción en lo representado. Vean esta composición mucho más audaz que describe la defensa de Petrogrado

Deineka. Defensa de Petrogrado. Tomado de www.deineka.info

los soldados con paso firme se dirigen al frente mientras vuelven los heridos. Un blanco de nieve y un degradado en el cielo enmarca cuerpos con masas de color y formas que no aspiran a representar la realidad sino a trascenderla.

En fin, muchísima información y mucha belleza, un mundo que se fue y los afanes de hombres creativos, inteligentes y trabajadores. Pueden ver una conferencia sobre la exposición en inglés y en español en la propia fundación Juan March, que por cierto incluye un archivo de conferencias sobre arte realmente deslumbrante.

Luis Camnitzer en Galeria Parra & Romero

2011-11-09T20:26:00.002+01:00

Hae unos días asistí a la exposición del artista uruguayo Luis Camnitzer en la galería Parra & Romero.

La exposición gira en torno a la idea del espejo y la reflexión. Su título "Reflejos y reflexiones". Una de las obras nos avisa desde un espejo "Certainly not you" . Ciertamente la imágen que el espejo nos devuelve no somos nosotros. Somos algo más y quizá algo menos también. Nada es lo que parece. La obra que sirve de portada a la exposición es Memorial 2009. Es esta.

Memorial 2009. Luis Camnitzer. Galería Parra & Romero

A primera vista se trata de las páginas del listín telefónico de Montevideo enmarcadas una a una. Leyendo la documentación de la obra conocemos que "el artista va mezclando en la guia nombres de desaparecidos durante la dictadura militar uruguaya que gobernó el pais entre 1973 y 1985". No me resisto a citar una interpretación de la obra leída aqui

"las inserciones sin discontiuidad implican que todos los residentes de Montevideo son miembros de los 'desaparecidos' y ninguno de ellos al mismo tiempo; afirman que todos nosotros somos víctimas potenciales de la violencia de estado, habla de la obsolescencia del mismo listado...; del aspecto cambiante de los arthivos y de los medios por los que se construye nuestra identidad dentro de ellos; ... de hecho dice algo sobre la mudez irónica de un directorio".

Son muchos los mensajes relevantes enmascarados en una trivialidad aparente.

Y es que Camnitzer es un pensador brillante y profundo. Vean por favor este listado de diferentes escritos sobre el autor. Si tienen un poco de tiempo lean por favor el extraordinario ensayo "Art and literacy"

Camnitzer utiliza la ironía como método. A los asistentes a la exposición se les aporta un "manifiesto". Básicamente el autor se plantea el papel del artista; como empresa de producción artística sugiere los métodos, contratación a bajo precio de asistentes, eliminación de competencia en base a sabotear canales de distribución de otros artistas, creación de monopolios artísticos... Todo ello permite que las ideas salvíficas del autor lleguen a la gente. Este es un escaneado del documento que pueden leer en su integridad si lo pinchan.

Manifiesto. Luis Camnitzer. Galería Parra & Romero.

Estoy seguro de que disfrutarán de la exposición. Por si fuera poco, al menos el día en que yo acudí., recibí una preciosa pieza de arte conceptual. A los asistentes que así lo desean se les obsequia con un certificado. La pertentencia a "misántropos anónimos". Este es el mío.

Certificado de pertenencia a misántropos anónimos

Cito la definición de misántropo

La misantropía (del griego μίσος, «odio», y άνθρωπος, «hombre, ser humano») es una actitud social y psicológica caracterizada por una aversión general hacia la especie humana. Su antónimo es la filantropía (amor a la especie humana).

Se trata de un precioso certificado que acredita que a pesar de que alguna vez caimos en la misantropia, hemos salido de ella y al menos de momento no hemos recaído.

Muchísimas gracias maestro

Marcelo Fuentes en la Galería Juan Gris

2011-11-06T18:44:00.001+01:00

Marcelo Fuentes expone en la Galería Juan Gris un conjunto muy interesante de visiones urbanas en carbón, acuarela y óleo.

Esta es la portada del catálogo de la exposición,

Portada del catálogo de la exposición

que también puede descargarse en este fichero pdf.

Este es el blog de Marcelo Fuentes en que puede obtenerse una información muy amplia de su trayectoria y de su obra.

Hace poco tiempo comentábamos las visiones soñadas de una ciudad a partir de Arquitecturas pintadas. La ciudad del siglo XVIII aparecía como ciudad soñada, como escenario de la vida o como ciudad parcialmente inventada. En la obra de Fuentes accedemos a una visión algo diferente. ¿Qué ha cambiado desde el siglo XVIII hasta ahora mismo?

Han cambiado muchas cosas y la exposición de Fuentes da algunas pautas sobre este cambio. La escala se ha hecho menos humana, las edificaciones todavía parecen tener vida una vida más autónoma al margen de sus habitantes. Constituyen iconos de significado independiente de su uso.

En la escalera del Palacio Nacional de Mejico, Rivera describe sus sueños para el futuro. Visto desde el momento actual recuerda la Rumanía de Ceaucescu, un sueño convertido en pesadilla. Este es un fragmento.

Diego Rivera. Fragmento de mural del Palacio Nacional Mejico. Tomado de wikicommons.

Pero no solo cambia el objeto. También lo ha hecho el punto de vista. La fotografía nos ha permitido ver fragmentos o diferentes órdenes de escala. Un ojo de insecto visto como un planeta. Algunos de los encuadres de Marcelo Fuentes adoptan un punto de vista bajo, otros aislan el edificio de su entorno, otros aún lo fragmentan de forma deliberada. El ser humano para el que fueron de una u otra forma construidos está indirectamente representado. Como en los trabajos de Ballester el espectador está implícito en la representación.

Y no solo cambia el objeto y el punto de vista, cambia la forma de ver la realidad. El cubismo con su análisis geométrico, la pintura metafísica con su formalidad onírica. La representación de Fuentes define planos de luz como facetas de una pieza de joyería.

Y cambia la comprensión del color. Ya no es necesaria una representación fiel de la realidad sino más bien una representación adecuada del objeto recreado. La muestra utiliza un amplio rango de valores (distancia entre los tonos más oscuros y más claros) con una pequeña excursión cromática y la utilización de colores poco saturados (para una discusión de estos términos puede verse el post dedicado a Juan Carlos Sanz). El resultado crea un espacio en que cielos, suelos y figuras confluyen en una representación similar.

Y ha cambiado la asunción de la subjetividad. No se trata tanto de que la realidad sea reconocible (se eliminan detalles, no se incluyen claves documentales como título o localización) sino de que se intenta recrear una nueva realidad. Los contornos se desdibujan, las ventanas desaparecen, los detalles se enmascaran.

Pero la exposición, una "arquitectura pintada" contemporánea, tiene también afinidades con las vistas venecianas o las cárceles de Piranesi. Cada época mantiene un lenguaje formal propio. La fria y tortuosa representación presente, como ya pasaba en el siglo XVIII muestra cómo las cosas que creamos toman vida propia y nos asombran. Sin que nos demos cuenta adoptan una presencia y una funcionalidad muy diferentes de aquellas implícitas en la intención con que fueron construidas.

Yves Saint Laurent. Deconstrucción y Construcción

2011-11-04T00:04:00.001+01:00

El panorama de exposiciones artísticas en Madrid estaba repleto de novedades pero a pesar de esto decidí acudir a la exposición de la fundación Mapfre sobre Yves Saint Laurent. Animado por la relación entre arte y moda que había visto en la propaganda, el famoso vestido Mondrian que se convirtió en un icono. Y también quizá por una exposición legendaria sobre Fortuny y Madrazo que tuve ocasión de ver en el museo del Traje hace un par de años y que guardaba en el recuerdo.

Pero la exposición de Mapfre me deslumbró. Estaba realizada de forma exquisita y el ambiente, el silencio, la iluminación, la música de fondo mantenían un entorno casi de meditación y recogimiento.

Y en este ambiente Saint Laurent dibujaba. Dicen que todo se crea dos veces, primero en la mente del creador, luego en la propia realidad. Este es un video en que puede verse al artista dibujando.

En la exposición vemos los sencillos espacios en que realizaba la creación en Paris o Marrakesh (este es un enlace a su mesa de trabajo -ver planta 0, espacio 7-) y los medios que usaba, básicamente lapiz de grafito sobre papel en un formato vertical alargado en que se situaba un único vestido. El dibujo como herramienta de comunicación de ideas como el plano de un edificio o un puente. La construcción a partir de los elementos básicos.

Al parecer una casa de alta costura presenta dos colecciones al año. La propia presentación de la colección exige un diseño meticuloso que incluye la construcción de una linea plástica armónica (formas, colores, texturas, secuencia de presentación) que desarrolla un conjunto de ideas de forma consistente.

El artista se encerraba durante un periodo de quince días y realizaba multitud de diseños rápidos en un formato uniforme. Las lineas maestras de la colección estaban así definidas. A partir de este momento las ideas fundamentales están plasmadas pero ésto no es sino una mínima parte del proceso en conjunto. Se trata de un conjunto de ideas que hay que desarrollar.

Los modelos se realizan en tela blanca de algodón para ver el efecto formal previo a la textura. Es un proceso afín a la realización de un dibujo de contorno o una grisalla previa al desarrollo final. En la planta -1, sala 7 podemos ver los modelos así realizados.

Pero falta un elemento muy importante, las telas. En la tela se encuentra el color y la textura. Como en un proceso deconstructivo se realiza un añadido al boceto en que se incluyen retales pequeños sujetos por alfileres. Cada modelo puede ser recreado mentalmente a partir de sus elementos integrantes.

Aun no finaliza el proceso. Los diferentes modelos deben ser organizados para la presentación. El resultado de esta fase puede ser seguido en la sala 1 del piso -1 de la visita virtual o también en este enlace de la fundación Bergé.

Toda este trabajo de concepción más un ingente trabajo de producción acaba en la presentación de la colección. Es casi una instalación en que cada detalle ha sido ideado, desarrollado y fabricado con un fin más amplio.

Es esta deconstrucción-construcción de algo extremadamente complejo lo que me parece común a muchas otras facetas de la actividad creativa. El proceso de traducción de formas artísticas a diseño de vestuario es igualmente fascinante. Traten de adivinar girando con el cursor en la sala 16 del piso 1 los autores incluidos. Estas son las referencias (Wesselmann, Van Gogh, Picasso, Matisse, Mondrian). Seguro que disfrutan y todavía más si visitan la exposición.

Este es un video de youtube describiéndola

"A perfect day" y Arquitecturas pintadas.

2011-10-27T18:49:00.001+02:00

No se si conocen la canción A perfect day de Lou Reed. Esta es la letra en inglés y en español. Por si tienen ánimo esta es una preciosa versión de colaboración de diversos artistas. Bueno, pues el jueves de la pasada semana fué casi un día perfecto.

Comenzó con el recuerdo de que a Elena Asins le habían otorgado el premio nacional de artes plásticas. Luego, como tenía el día completamente libre dí un paseo por Madrid. Como un turista más vi la formación de la guardia de honor en el palacio Real probablemente en relación con una presentación de cartas credenciales. Y pude admirar una vez más la estatua ecuestre de Felipe IV también llamada de los tres genios. Luego me acerque a ver la exposición Arquitecturas pintadas en la Casa de las Alhajas de Cajamadrid (que es de lo que trata esta entrada) y tras comer de tapas en el Madrid de los Austrias compré el famoso libro de Saatchi "Me llamo Saatchi y soy un artehólico" que me habían recomendado en el anterior post. Pinté un par de horitas y tomé una cerveza en la cafetería del Circulo de Bellas Artes. Finalmente dí un paseo por la Gran Via para volver a casa. Durante todo el día ví multitudes en las calles, paseantes. parejas, compradores incluso asistí a alguna discusión en la Plaza de Oriente entre varios vendedores de abanicos que tenían un conflicto sobre su ubicación. No parece muy interesante pero como nos explicó Jobs en su discurso de Stanford "no se pueden unir los distintos puntos mirando para adelante; se pueden unir únicamente mirando hacia atrás. Así que deben confiar que de alguna manera los puntos se unirán en el futuro". Y la cosa va sobre Arquitecturas y sobre pinturas, sobre lo pintoresco y lo que no lo es y sobre como la gente nos admira siempre.

Porque este es el tema de la Arquitecturas pintadas, la ciudad y sus habitantes, la ciudad y sus ruinas, la ciudad real y la ciudad soñada, el espacio en que el hombre urbano desarrolla su vida. Sus relaciones, sus anhelos, sus conflictos, sus estratificaciones sociales y el marco en que suceden. Porque a pesar de la monumentalidad y la belleza de los edificios mostrados, sus habitantes, los habitantes del siglo XVIII se encuentran omnipresentes en la exposición.

Y entrando en la exposición, se nos plantea una pregunta ¿Que es lo pintoresco?, ¿Que merece la pena ser pintado?. Bueno la exposición nos da tres muestras de ello, el tema en conjunto es la arquitectura, y predominantemente la arquitectura urbana y monumental. La ciudad como tema de reflexión en tres distintas modalidadas. Una ciudad en equilibrio inestable y por tanto susceptible de ser convertida en ruina. A pesar de ello las personas continúan su vida entre ellas, tienden las ropas, atienden sus ganados. La segunda ciudad es la ciudad soñada. La ciudad que se encuentra poblada de edificios irreales que la hacen todavía más bella o todavía más amenazante. Los grabados de Piranesi y entre ellos sus grabados de cárceles, inmensas cárceles basadas en edificios reales. Este es un ejemplo de uno de los grabados de cárceles

Piranesi. (tomada de Evil Preacher en flickr, creative commons)

Y hablando de Piranesi sus grabados eran coleccionados por las personas que seguían el denominado grand tour un itinerario que recorría ciudades europeas, especialmente italianas. Venecia, Roma, Nápoles... para el aprendizaje de la tradición grecolatina. Y en estos viajes los visitantes adquirían "vistas" (veduta) con una codificación de la ciudad muy característica. Edificios destacados ejecutados con fino detalle en que las actividades cotidianas de la gente están presentes. Este es un ejemplo de Canaletto mostrado en la exposición.

Canaletto. Plaza de San Marcos. (tomada de wikimedia commons)

La plaza de San Marcos de Venecia en que se está cambiando el adoquinado. El punto de vista es un aspecto muy importante en cualquier composición. En este caso y con mucha frecuencia es elevado. Su altura puede deducirse de donde un plano horizontal aparece como horizontal en el cuadro, en este caso en la mitad del tercer piso del edificio de la izquierda o en la mitad del segundo piso del edificio de la derecha. La iluminación es lateral lo que permite un juego de luces y sombras muy definido; o sea que los personajes están descritos desde la altura (no estoy muy convencido de que Canaletto no utilice una vista lateral pura) y con una iluminación que los define con precisión.

Detalle del anterior

Evidentemente los personajes se utilizan para marcar la escala del paisaje urbano pero también muestran una representación casi documental de la vida. Si hacemos una fotografía de detalle de una calle de nuestras ciudades, la mayor parte de las personas que aparecen adoptan una actitud casi trivial, sentados, conversando, andando... los personajes de Canaletto han sido escogidos en diversos tiempos para que su representación en el contexto urbano aparezca como un resumen de la actividad de todos los días. En ese sentido se trata más bien de una representación que de una instantánea.

Y ahí es donde está la ciudad que nos espera a la salida de la exposición con sus conflictos, con sus afanes, con sus trabajos, vemos en el cuadro de Canaletto las mismas personas que nos atraen antes de entrar en la exposición, reconocemos nuestra pasión por estar integrados en una urbe que en muchos casos también nosotros hemos soñado.

Curso sobre Galerías de Arte en Plano B

2011-10-16T20:43:00.000+02:00

Espacio Plano B es una galería de arte recién inaugurada en el centro de Madrid junto a San Bernardo. Hace unas semanas recibí un correo sugiriéndome un amplio programa de Cursos que cubrían muchos aspectos que tenían que ver con el arte (diseño de productos culturales, comisariado de exposiciones, periodismo cultural y muchos otros). Uno de ellos llamó mi atención "Trabajar en una Galería de Arte". Los seminarios están organizados en horarios nocturnos o durante el fin de semana así que me animé un poco por curiosidad. Siempre me ha sorprendido el funcionamiento de esos preciosos negocios con arte colgado en las pareces en que no parece entrar gente con un misterioso despacho al fondo.

Logotipo de Plano B

Y ahí fuí. El espacio es elegante y funcional Una exposición de Antonio Fernandez Alvira. Se trata de una reflexión sobre la creación de estereotipos masculinos y femeninos en el proceso de aprendizaje. Pude luego conocer que la exposición está enmarcada en un proyecto expositivo de temas similares que abarca todo el año.

Dentro del espacio hay una pequeña habitación en que tiene lugar el seminario. Su público estudiantes o graduados de Bellas Artes o Historia del Arte, algunas personas trabajando en gestión de proyectos culturales como espacios expositivos dependientes de diversas administraciones, algunos de ellos con experiencia en colaboración con galerías de arte. La motivación era más o menos la misma, la galería es un mundo oscuro y es bueno conocer las cosas que suceden dentro, las relaciones que se establecen en los diversos agentes que participan en la proyección del arte hacia la sociedad.

El director del seminario Álvaro Vargas es el director del espacio y presentó un programa muy atractivo plagado de aspectos concretos. Aunque se abordó de pasada no se trataba tanto de describir la evolución histórica del concepto de Galería de Arte o sus funciones como elemento de difusión cultural como de detallar los aspectos concretos que hacen que una galería sea operativa y tenga posibilidades de supervivencia. El reparto de porcentajes del precio de venta con los artistas, la participación en los descuentos, el tratamiento de la obra cedida, los seguros de la obra, la posible participación de los costes de producción, la colaboración con comisarios y la participación en exposiciones comisariadas, la representación de los artistas con el ámbito geográfico a que se refiere, los códigos de buenas prácticas entre galeristas y artistas, los costes de la propaganda en revistas especializadas, la elaboración de contratos y las prácticas habituales de acuerdo verbal. Todos esos aspectos íntimos de las relaciones se abordaron con humildad y sinceridad. La tipologia de los compradores, las relaciones con el personal, las formas de contratación de las personas, las posibilidades de introducción a traves de las inauguraciones. Se dice que lo que da derecho a hablar es el estudio o la experiencia y Alvaro demostró que su conocimiento no era teórico sino práctico, el de la persona que dedica los fines de semana a sacar adelante un espacio en tiempos difíciles.

Un ejemplo: la participación en ferias de las galerías, el elemento de prestigio que supone para una galería participar en una feria. Se calcularon los costes, los procesos de selección, los mecanismos de inscripción, los beneficios potenciales, las condiciones requeridas a una galería para su participación. En fin que se aprende mucho sobre los mecanismos internos de las cosas.

Algunos consejos de Álvaro al público joven eran estupendos (tomar la iniciativa, diseñar proyectos expositivos, montar espacios aunque sean humildes y transitorios...) voy a destacar uno de ellos. Puesto que los estudiantes de Historia de Arte y los de Bellas Artes van a trabajar sobre una actividad más o menos común. ¿No sería bueno la creación de actividades mixtas que dieran lugar a propuestas futuras?

Algunos links aportados en el curso que son tareas pendientes. "Memorias de un vendedor de cuadros" un libro de Vollard (este es el enlace de Amazon en ingles donde están las valoraciones de otros lectores) "Me llamo Saatchi y soy arteholico" (enlace de Amazon).

En fin que es un espacio con una linea clara, que mantiene una política de difusión abierta y que le deseamos lo mejor.

Alighiero Boetti

2011-10-12T18:21:00.002+02:00

Hace algo más de un año asistí en el Reina Sofía a la presentación de un trabajo de Mario García Torres titulado "¿Alguna vez has visto la nieve caer?". Se trataba de un conjunto de escritos y una proyección de diapositivas montadas sobre una narración deliberadamente tranquila y descriptiva. A partir de fotografías de muy diversos orígenes, con la paciencia de un investigador histórico el autor nos describía Kabul, su aeropuerto, la estructura de sus calles y sobre todo el Hotel One. Supimos entonces de la existencia de Alighiero Boetti un artista italiano que se había desplazado a Afganistán durante los años 70 y había establecido un método de producción artística cuya elaboración era encargada a artesanos locales con base precisamente en el citado Hotel One. Durante muchos minutos se discutía su ubicación, las posibles modificaciones de su estructura. Furtivamente aparecía la figura del artista en fotografías de época. Toda la presentación estaba impregnada de un halo de misterio y proximidad, de lo que podía haber sido y de lo que fue en realidad.

¿Merecía tanta atención la estancia de un artista europeo en un pais musulmán? Pueden ver un resumen de la presentación y del autor en este video. Un resumen e interpretación del trabajo pueden verse en este enlace. La narración es deliberadamente minimalista y el método recuerda Blow up. Es un conjunto de hechos absolutamente triviales y banales que se elevan a la categoría de arte por la mirada del artista. Evidentemente el centro de la exposición no era el trabajo de Boetti sino su mera presencia y su relación con Afganistán.

Por aquel tiempo en la Galería Marta Cervera se presentaba una exposición con algunos trabajos de Boetti, allí pude ver unas curiosas cartas enviadas por correo con un franqueo de varios sellos que sufrían permutaciones en cada una de las cartas. Pasaron algunos meses y ahora...

En el museo Reina Sofía, han preparado una importante exposición sobre Alighiero Boetti. La relación de Boetti con Afganistán es increíble. Al parecer comienza con un personaje del siglo XVIII cuya identidad no está completamente clara: Sheick Mansur o para algunos un antepasado de Boetti: Giovanni Battista Boetti. La historia completa desarrollada por Adam Curtis puede verse en esta entrada de su blog.

Pero volvamos a Boetti y a la exposición. Nacido en Turin, exponiendo en conjunto con artistas del denominado arte povera, un movimiento que utilizaba elementos formales de obtención fácil o de desecho, inicia pronto una trayectoria original que le lleva a desarrollar una obra propia. Un resumen muy amplio y bien documentado de su obra (en italiano) clasificada por décadas puede encontrarse aquí.

Como siempre vamos a tratar de destacar en la exposición algunos aspectos que llamaron mi atención.

Hace unos meses hablábamos del constructivismo a propósito de Lygia Pape. Comentábamos entonces la construcción de una nueva realidad a partir de la repetición con variaciones de un conjunto limitado de estructuras geométricas básicas. También al hablar de Elena Asins comentábamos como en el desarrollo de la obra podían utilizarse algoritmos que relacionaran elementos abstractos (progresiones, permutaciones). Este mismo planteamiento puede encontrarse utilizando elementos formales no abstractos. Este es un planteamiento utilizado por Boetti.

En la obra diversos relojes de muñeca en paralelo muestran sutiles diferencias; un conjunto de dos progresiones (la hora y la posición de la hebilla) desarrollando una narración lineal casi musical.

En otra obra un par de etiquetas presentes en cada cuadro se desplazan progresivamente de abajo a arriba formando tembién una especie de melodía visual. Probablemente la analogía (de planteamiento, no de realización) con algunos de los trabajos de Asins se base en los elementos matemáticos subyacentes (permutaciones, progresiones) en ambos casos.

El segundo elemento que me gustaría destacar quizá deriva también de la subversión de utilizar elementos no abstractos para un contexto para el que no han sido concebidos. El artista utiliza elementos formales complejos y realistas para formar una especie de plano en que se funden perdiendo su identidad. Unos preciosos dibujos de las portadas de revistas gráficas copiados a grafito forman una especie de alfombra en que su identidad se anula en un todo que forman y del que evidentemente no participan.

Otro ejemplo. En esta imágen vemos una preciosa alfombra multicolor

Cuando nos acercamos descubrimos todo un universo de símbolos, objetos, personas, animales formando un complejo tapiz carente por completo de estructura.

Boetti se encuadra en el arte conceptual en que la realización final puede no ser ejecutada por el artista (vease la entrada dedicada a Esther Achaerandio). Un ejemplo de este planteamiento podríamos encontrarlo en el planteamiento de sus famosos "mapas" en que un mapamundi se realiza de tal forma que cada país está ocupado por su propia bandera. Ejecutado posteriormente como un tapiz algunas de las decisiones son tomadas por los artesanos encargados de la realización. Esta cita de Boetti tomada de Wikipedia resume parte del proceso "Para mí el trabajo de los mapas bordados es el máximo de la belleza. Para este trabajo no hice nada, no escogí nada, en el sentido de que: el mundo está hecho como es, no como yo lo diseñé; brevemente, no hice absolutamente nada; cuando la idea básica, el concepto, emerge, todo lo demás no requiere ninguna elección"

Fuí a ver la exposición acompañada de mi amigo Josemi. Comentábamos como el arte conceptual es algo frío, produce una emoción que surge de la comprensión frecuentemente parcial de la obra mostrada más que de una visión de la realidad que nos apasione.

Boetti se autorrepresentó en una estatua arrojándose agua para mantener frío su fuego interior (vean por favor este pequeño vídeo prescindiendo mentalmente de las anotaciones).

En una de sus construcciones más citadas los seis sentidos ("i sei sensi") una especie de jeroglifico permite a partir del alfabeto mostrado en la izquierda la reconstrucción de un mensaje en italiano (las comas sustituyen las letras de la izquerda)

"vedere gustare toccare udire odarare pensare" (ver, gustar, tocar, oir oler, pensar). Boetti nos habla de cómo pensar provoca sensaciones como un sentido más. Quizá lo más sorprendente sea el espacio en blanco situado a la derecha, sugiriendo la existencia de otros muchas formas de evocar sensaciones a las que ni siquiera nombramos.

(Si están interesados en Boetti un amplio seminario en italiano realizado este año en Turin puede ser visto en youtube conteniendo aportaciones de otros muchos artistas italianos y del propio Boetti. Una reseña de la exposición puede ser vista aquí y una introducción como siempre estupenda del propio Reina Sofía puede ser vista aquí)

Adriana Molder (y Longhi y Redon) en Oliva Arauna

2011-10-03T00:18:00.001+02:00

Una de las galerías que más me gustan de Madrid, espaciosa, bien organizada, es la Galeria Oliva Arauna en la calle Barquillo. Nada más entrar, a la izquerda un mostrador con documentación y personas que conocen el tema te asesoran. Dentro varias salas amplias. Finalmente las dependencias administrativas. A veces la exposición se prolonga hasta el despacho final y con frecuencia, cuando llegas ahí, la directora lo deja todo para acompañarte y explicarte con detalle y pasión la obra expuesta.

Bueno pues en esta ocasión la obra mostrada es la de la artista portuguesa Adriana Molder y tiene por título "en la casa del león". Esta es la nota de prensa de la galería sobre la exposición

En la casa del León

Un dibujo de Odilon Redon y un cuadro pintado por Pietro Longhi son el punto de partida para el nuevo proyecto que Adriana Molder presentará por primera vez en la Galería Oliva Arauna.

La artista portuguesa ha titulado su nueva serie de dibujos y pinturas : “En la Casa del León” (aludiendo al cuadro de Longhi “Il casotto del Leone”) . Molder comienza con la recreación de un dibujo de Redon y se presenta como la narradora de toda la serie. Ella observa lo que pasa en la casa del león y nos describe todos sus personajes misteriosos y peculiares.

Las obras son grandes dibujos en tinta sobre papel transparente en una gama discreta de negros que a veces incluyen también partes en rojo. Este es el conjunto de la obra mostrada

La joven artista, nacida en Lisboa desarrolla su actividad en Alemania. Esta es su página web. Vemos que desde have ya mucho tiempo ha encontrado una voz propia con obras de gran formato sobre papel. En esta entrevista en portugues nos explica las razones de su permanencia en Alemania. El carácter figurativo de su obra, la deformación en la ejecución, los elementos narrativos y algunos aspectos de su biografía me recuerdan a la extraordinaria Paula Rego de quien hace relativamente poco tuvimos una extraordinaria exposición en el Reina Sofia. . Tuvimos entonces la ocasión de asistir a una conferencia maravillosa en que nos comentó su trayectoria.

Pero volvamos a la exposición. Los títulos de los trabajos Ossos,The Venetian mask,Worn Out, Distanz, The Cage, Red Queen, O Rumor, O Meu Rosto, Il Leone, Der Struwwelpeter, The evil poet... resultan difíciles de interpretar. Parecen reelaboraciones de algunos de los contenidos mostrados en el cuadro de Longhi.

Siempre nos ha gustado desvelar los elementos subyacentes al cuadro así que vamos a seguir la pista que se nos indica.

Pietro Longui es un autor veneciano del siglo XVIII. Probablemente disfruten de la lectura del analisis de una de sus obras más conocidas en el anterior enlace de Wikipedia: El rinoceronte.

Este es el cuadro de que partimos

Pietro Longhi. Il casotto del leone

una reproduccion de mucha mayor resolución puede verse aqui.

Si no me equivoco mucho Longui nos explica las condiciones en que fue pintado (La caseta del león / Visto en Venecia / El Carnaval de M.7.62 / Pintado del natural") Representa una sutil escena de feria en que un público ataviado de carnaval asiste a una representación galante llevada a cabo por perritos con atuendos al modo de la epoca. Un niño dirige la representación mientras un león, relajado, mira al espectador con mirada pícara y un punto desconfiada. Un músico, el propietario de la barraca quizá toca un violín. y una vendedora de fruta contempla la escena. Un monito atado al andamiaje, un cuerno de caza, algunas telas colgadas y las vallas que rodean la atracción completan la escena.

Algunos de los elementos seguidos por la autora: el leon, el rumor, la máscara resultan identificables otros resultan más difíciles.

En fin, vamos a seguir la segunda pista. Odilon Redon fue un pintor simbolista en la transición entre el siglo XIX y XX. Nos enteramos de un dato interesante que cita nuestra enciclopedia Mantuvo cierto anonimato hasta que se publicó una novela de culto en 1884, de Joris-Karl Huysmans titulada À rebours (A Contrapelo), en la que aparece un aristócrata decadente que colecciona dibujos de Redon.

La novela puede encontarse con facilidad en la red (al menos en frances e inglés) pero tenemos el propósito de relacionar el dibujo de Redon con nuestra artista. Esta es la obra de obra de Redon

Debo reconocer que no me resulta facil establecer la relación entre uno y otra.

Habitualmente cuando escribo estas cosas intento no leer mucho sobre el tema para no estar contaminado por otras opiniones pero vista mi dificultad acudo a otras fuentes. Una interpretación brillante me parece la enunciada por Noemí López Trujillo en ABC . La cito

Asi que se abren muchas interesantes lineas. Por favor si encuentran otras claves escribánme. Será un placer oir otras opiniones.

Victo Rosa y el Alentejo

2011-09-25T21:47:00.000+02:00

Durante unos años iba de vez en cuando a Alandroal en el Alto Alentejo (Portugal). Solía alojarme en Residencial Landroal. En su enlace pueden verse algunas imágenes. Allí, en el comedor había unas piedras que aprovechavan el relieve natural para describir las típicas casas alentejanas. Chimenea alentejana, decoración con bandas en mostaza , siena o azul, banco de madera, teja cerámica... A veces varias casas con recintos amurallados. Poco a poco las fui viendo en diversos establecimientos de Alandroal. Cuando en el desayuno las contemplaba pensaba en la inteligencia de su ejecución. Su simplificación no excluía el detalle, los colores transparentes reflejaban luces y sombras alegres y claras, la ausencia de perspectiva común las hacía más próximas a la realidad. Eran elegantes y precisas y sobre todo describían un modo de construir en el Alentejo alejado de las imágenes tópicas que suelen aparecer en sus cerámicas.

Un día mientras desayunaba caí en la cuenta de una preciosa imágen del pueblo, sin duda visualizado desde la muralla. Es esta

Victo Rosa. Alandroal.

La linea de horizonte había desaparecido y el conjunto de casas, centrada precisamente en Residencial Landroal, tenía una gran belleza. Un grado de simplificación elevado junto a un enorme nivel de detalle formando un todo consistente. Una huida sistemática de soluciones rutinarias y una búsqueda de tratamientos originales. Para los que conocíamos el paisaje nos evocaba el apelotonamiento de los pueblos alentejanos, las casas cuidadosamente mantenidas y decoradas. Esto me llevó a interesarme por su autor. Con respeto, me indicaron que se trataba del profesor Victo Rosa.

Unos meses despues vi unos retratos suyos y entendí que Victo sintonizaba con lo que pintaba. No se trataba sólo de su enorme habilidad técnica sino de que establecía una corriente de simpatía y entendimiento con el motivo de la obra. Dicen que una obra por un lado muestra menos de lo que quiere el autor y por otro más. Y yo estoy muy de acuerdo. En lo obra de Victo se veía que no describía en los tipos populares mostrados aspecto negativo alguno. Sabía ver en ellos la dignidad profunda de las personas que conocen el medio en que viven.

Y este fin de semana en el Forum Cultural Transfronterizo de Alandroal tuve ocasión de ver una amplia muestra del trabajo reciente de Victo Rosa. Múltiples acuarelas mostraban retratos, paisajes, motivos sencillos.

Victo Rosa. Talhas I

Un ejemplo de la imagen que encabeza la exposición. Se trata de unos cántaros al sol en una esquina exterior en equilibrio con unos motivos vegetales lejanos. Por supuesto la fluidez en el manejo de la acuarela y la sensibilidad en el tratamiento de las tres texturas similares de primer plano, la calidez de luces y sombras son evidentes, pero observen la seguridad y la sobriedad de la descripción del motivo de segundo plano. Un conjunto de cántaros forman una textura de objetos en diversas posiciones en que solo algunas masas elementales con un tratamiento muy limitado de valores cromáticos próximos describen una realidad compleja fundiéndose con el fondo.

Victo Rosa. Na churrasqueira.

Otro ejemplo, un retrato de grupo en que el dueño de un restaurante local acompaña a las personas habituales del mismo. Los personajes de los lados representan formas ampliadas de algunos de los personajes centrales. Un presioso retrato de grupo en que el encargado de la exposición me comentaba: "Es que además para alguien de aquí los personajes se reconocen a la primera ojeada, tienen vida". Están ahí para siempre.

En fin una exposición preciosa. Hasta donde sé Victo no ha nacido en Alandroal. Cuando volvía a Madrid iba pensando en lo que quería decir sobre él. Y me venía constantemente a la cabeza la letra del fado.

Cantarei até que a voz me doa

Pra cantar, cantar sempre meu fado

Como a ave que tão alto voa

E é livre de cantar em qualquer lado

Cantarei até que a voz me doa

(Cantaré hasta que me duela la voz/ para cantar cantar siempre mi fado/ como el ave que tan alto vuela/ y es libre de cantar en quelquier lado/ cantaré hasta que me duela la voz)

Y no se porque me recordaba a Victo.

Rafa Macarrón y Distrito 4

2011-09-21T21:14:00.001+02:00

La Casa de vacas del Retiro de Madrid mostró el año pasado una exposición con los finalistas del XXV premio BMW de pintura. Se trata de un premio muy prestigioso y bien dotado. Vean por favor los premiados de todos estos años y podrán valorar la gran cantidad de formas y estilos. Los seleccionados tienen en común asimismo la calidad de ejecución y su variedad formal. Bueno, pues en este conjunto de obras de factura impecable y grandes dimensiones el visitante se pregunta quien ha ganado el premio.

En la edición de 2010 el premio correspondió a la obra "Los tres mosquiteros" de Rafa Macarrón. Allí, en la sala central de la exposición se situaba un extraño cuadro en que tres personajes (dos de ellos antropomórficos y el tercero zoomórfico) estaban entregados a cazar mosquitos rodeados de unos cuantos insectos diminutos en una desarrollo cromático audaz. Esta es la obra.

Rafa Macarrón. Los tres mosquiteros. (Tomada de la página citada del premio BMW)

Y este es un enlace que permite ver los detalles en la página de Rafa Macarrón.

Y ahora en la Galería Distrito 4 de Madrid se muestra todo el universo de la obra reciente de Macarrón. Los temas tratados son aparentemente sencillos. Este es el tarjetón de la exposición:

Rafa Macarrón. Aqui no llega 2011. Distrito 4. Foto José Luis Municio.

En un dia de lluvia un personaje humanoide protegido por un paraguas de colores observa una nube. La nube descarga su lluvia sobre un charquito de dimensiones inciertas puesto que las claves espaciales han desaparecido. Algo más ha sucedido. En la imágen un personaje que no se nos muestra, quizá un perro, ha pisado el charco y deja un rastro de huellas que recorren el cuadro, lo abandonan, vuelven al mismo y finalmente desaparecen.

Así son los personajes de Macarrón expuestos en la muestra. Recuerdan algo parecido a la visión que un extraterrestre tendría de los humanos si llegara a nuestras sociedades. Formas humanas y animales interactúan, se agreden, se protegen o muestran su perplejidad. La misma perplejidad se trasmite al espectador. No parece que sean completamente comprendidos tal vez porque no haya nada que comprender.

Pero claro en una obra plástica el desarrollo formal de la idea es un elemento clave y Rafa Macarrón consigue una originalidad y una calidad de factura notables. Muchas de sus composiciones incluyen un lienzo incluído en una caja de metacrilato de unos centímetros de profundidad. Queda un pequeño espacio entre lienzo y caja y en ese pequeño espacio se sitúan algunos de los elementos de la obra (algunos ojos, nubes...) que se integran con la base del mismo. Un recurso similar aparece en los dibujos que constituyen los bocetos de partida, láminas de acetato sobreimpuestas en que pintura salpicada realiza la misma función sobre los dibujos en papel.

El artista desarrolla una forma propia de representación (lluvia, pasos...) que se repite a lo larto de su obra.

Hemos visto que el cuidado tratamiento del color, la elección de los elementos narrativos, la representación alejada de convenciones constituyen elementos formales originales, pero hay más. Las texturas sofisticadas alternan en el mismo cuadro con grandes masas de color plano, diminutas formas (un insecto, una bombilla, un detalle del atuendo...) son tratados con el mismo mimo que los elementos de mayor tamaño estableciéndose entre ellos un diálogo complejo. A veces aparece una nube de insectos; en su desarrollo el autor huye de la simplificación en un "todos iguales, todos diferentes".

Finalmente me gustaría hablar del espacio en que se sitúan las historias. El artista utiliza un espacio deformado en sus composiciones planas pero en colaboración con su hermano diseña espacios tridimensionales sobre un sistema de paneles que produce una ambigüedad todavía mayor. En estos casos el espacio del cuadro crea una auténtica "trampa para el ojo" contribuyendo a la incertidumbre del espacio físico.

Personajes deformados, actitudes reconocibles, variedad formal, espacios inciertos, complejas armonías de color... Se ha destacado el carácter surrealista de la obra y efectivamente algunos rasgos recuerdan a Miró o Gorky.

En fin que sin duda la exposición merece una visita. Si están interesados en Rafa Macarrón esta es una entrevista (fichero pdf) que comenta su método de trabajo, esta es su página web y este es el conjunto de la obra expuesta en Distrito 4

El cine y el Guernica

2011-09-18T19:02:00.000+02:00

Hace unos días los periódicos se hicieron eco de una curiosa noticia: Jose Luis Alcaine sugería que algunos elementos plásticos del Guernica estaban basados en una secuencia de la película "Adios a las Armas"

El Pais mostraba un fotomontaje con el conjunto del cuadro. Este es el enlace.

Ciertamente las analogías eran muy destacadas y como siempre nos ha gustado la génesis de los proyectos artísticos ( vease en nuestro blog la documentación a propósito de Leon Golub y "El final trágico de Marcel Duchamp") nos pusimos a seguir el rastro de la información.

Al parecer se trataba de un artículo publicado en la revista Cameraman. Este es el enlace en que puede leerse la historia completa.

Afortunadamente podemos encontrar alguna otra cosa en la red. Esta es la ficha técnica de "Adios a las armas".

Y tras esto seguro que se han quedado con ganas de ver la película. Puede encontrarse en Youtube. Este es el film en youtube

A ver que opinan...

Jose Manuel Ballester

2011-09-11T21:24:00.000+02:00

Acudo a la exposición de Jose Manuel Ballester "La abstraccion y la realidad" en Alcala 31 de Madrid. Se trata de un artista joven con una trayectoria muy amplia. En su exhaustiva y muy bien documentada página web pueden verse los contenidos de la exposición. Para ello pulsen por favor "Exposiciones > La abstracción en la realidad". Incluye cinco páginas de imágenes pequeñas que pueden ser ampliadas.

¿Que es esto de la abstracción en la realidad?. Evidentemente en su concepto menos artístico la abstracción deriva de la realidad. Una vez eliminados los elementos accesorios y establecida la síntesis de múltiples casos particulares llegamos a un "ser" que refleja los rasgos esenciales del género a que se refiere. No se trata exactamente de esto. Si no estoy equivocado el autor se refiere a un modo de abstracción geométrica próxima al constructivismo que podemos descubrir en nuestra experiencia real. Se trata de encontrar los contenidos más abstractos y de menor base figurativa (rectas, curvas, superficies, interacciones) en las arquitecturas vacías que nos rodean. El artista en esta exposición huye de la naturaleza "biológica" (seres vivos, paisajes rurales) y nos acerca a los espacios que el hombre crea a su imagen y semejanza. Como en el mito de la caverna debemos adivinar la existencia del hombre y de su pensamiento en sus sombras.

Los recursos utilizados son sorprendentemente eficaces. El encuadre fragmentario de imágenes tridimensionales y su aparición en un espacio bidimensional en que todos los elementos se encuentran enfocados hace surgir un plano que es radicalmente diferente. Se consigue así la creación de un espacio abstracto.

En otras ocasiones una intensa entrada de luz aparece en un espacio complejo, no tanto para permitirnos percibir su "arquitectura" global sino más bien para desvelar un conjunto de superficies de luz que se expresan por una gama de planos en diferentes tonos de gris.

El artista se plantea en su obra la elección de la técnica (fotografía, dibujo, pintura) más adecuada. Podría pensarse que la fotografía no es el mejor medio para destacar la abstracción geométrica subyacente a la realidad. Por un lado la precisión de detalle inherente a la fotografía evoca continuamente la realidad, por otra la aparición de elementos que no pueden ser eliminados contamina nuestra visión de lo evidente.

En el dibujo o la pintura el autor puede, si asi lo desea, eliminar con facilidad lo que no contribuye a la claridad del mensaje mostrado. Ballester opta por un recurso similar en algunas de las fotografías mostradas haciendo desaparecer mediante retoque digital elementos de la imagen. En otras ocasiones permite la presencia de las imperfecciones o texturas que nos distraen exigiendo del espectador un esfuerzo de elaboración interior que le acerca a la realidad insinuada.

El artista había realizado un proceso similar en obras pictóricas clásicas. Este es un video que muestra el resultado

Ballester ha explicado con precisión su pensamiento a propósito de la exposición. A pesar de la ausencia humana el vacío nos habla del hombre que lo creó o lo habita. Este es un vídeo muy claro en que se nos explica como el vacío "llena mucho" y otros muchos temas de gran interés como la definición de la escala de representación y el formato de la obra como elementos expresivos básicos.

Únicamente añadir que, al menos los domingos, la exposición incluye visitas guiadas en que la guía describe con conocimiento algunos de estos aspectos y detalla el edificio o paisaje urbano que dió lugar a la fotografía. Es un placer seguir con ella el itinerario.

El marco de la monumental sala de exposición es completamente afín a las fotografías mostradas y descubrimos en él que la mirada adiestrada por Ballester nos hace aparecer preciosas abstracciones geométricas en el espacio que nos rodea.

Cartas a un joven artista

2011-09-03T21:14:00.000+02:00

Vuelvo de vacaciones y aún no me da tiempo de ver exposiciones. Releo "Cartas a un joven artista" (Ediciones El Cipres). Lo compré en la librería de la Fundación Mapfre. Es una librería pequeña especializada en arte que a menudo sorprende con libros que no se encuentran en otros sitios. Este es la referencia del libro original en Amazon.

El libro recoge una serie de cartas de artistas plásticos maduros a un recién licenciado en Bellas Artes que vive en Nueva York y se plantea como abordar su propia carrera. Poco más de veinte artistas contestan a sus preguntas.

Decía Joaquín Vaquero citando a Goya que no hay reglas en el arte. De hecho este tema fue el título en su discurso de ingreso a la academia. Un mismo objetivo, la traducción de la vida en imágenes puede alcanzarse de formas muy diferentes. Y algo parecido sucede con la carrera de un artista. Su propia carrera (como en cualquier otra profesión) es una pieza muy importante de su quehacer y produce una gran ansiedad si las decisiones tomadas son las correctas. Así que conocer opiniones de artistas maduros es un recurso muy útil.

Y entrando en el detalle del libro ¿Son coincidentes las diversas opiniones?. Pues a veces si y a veces no. No podíamos esperar otra cosa.

Muchos de ellos acentúan el gusto por el trabajo en el estudio, el espacio íntimo en que se produce la creación. No temer la experimentación. Dejar que maduren las propias ideas. Trabajar mucho y meditar sobre la obra en función de uno mismo.

Algunos de los consejos de las cartas son útiles para cualquier campo de actividad. Definir objetivos, ser constante en el esfuerzo, mantener un elevado tono moral, ser ambicioso en tus aspiraciones, adaptar el mundo a tu propia forma de ser, conocer lo que se hace alrededor...

Otros son más específicos y quizá más sutiles.

Xu Bing nos comenta que el arte es un objeto de intercambio. Has de aportar algo nuevo que todavía no esté en el sistema. Esta es la carta completa en ingles publicada en su sitio web

Stephen Shore nos habla de que encontrar tu voz es un proceso, no una meta. Si esperas a haberla encontrado quizá nunca muestres tu obra.

Finalizo con una maravillosa cita de Yoko Ono. "El mundo es tu ostra. Te proveerá de material infinito para tu arte. Míralo de nuevo bajo ese punto de vista. De pronto el mundo es un lugar diferente, interesante, hermoso y misterioso. Diviértete con él. Y comparte la diversión con nosotros."

Por supuesto que no se trata de "reventar" el libro sino solo de glosarlo. El tono próximo y amigable de una carta breve a un desconocido hace el libro muy apropiado para una lectura "a saltos" y para quedarse luego un rato pensando sobre el contenido. Seguro que les gusta.

Un año de trabajo

2011-08-01T20:08:00.000+02:00

Quizá por los años de estudio, tenemos una tendencia a ver el transcurso del tiempo en términos de curso académico. Los años transcurren de verano a verano. Antes del verano se ve el resultado de lo que hiciste y tras las vacaciones se planifican los proyectos que se van a abordar y se decide lo que se va a abandonar por haber resultado inútil, mal planteado o sencillamente imposible.

Hace aproximadamente un año comencé la presencia en Internet. No mucho antes había comenzado a trabajar en una serie de cuadros que nos mostraban instantes de la vida corriente. No era exactamente pintura de género. Se trataba más bien de mostrar instantes que para mí tenían un cierto valor simbólico. No sé si han leido Dublineses. Joyce creó un conjunto de relatos cortos en que aparentemente no sucede nada extraordinario: una carrera de automóviles, un día de vacación de una empleada, un sacerdote que fallece... Joyce, creo, llamaba a ciertos momentos "epifanías" porque le permitían acceder a una comprensión más profunda a partir de la cotidianeidad.

Algo así intentamos con esta serie de pinturas. La primera de ellas (¿y si no viene?) mostraba una muchacha que esperaba, no sabemos muy bien a qué o a quien. Con gesto decidido tenía el control de su propia vida. Poco a poco aparecieron un par de mujeres emocionadas mientras buscaban ofertas en una calle comercial (ofertas) o una pareja en que él, abrumado por la vida, era consolado por su pareja (noli me tangere). En cierta forma me recordaban el tema de algunos grabados de Goya.

Cuando organicé la página web dudé entre si la imagen era suficiente en sí misma o si era más conveniente aportar mi propia interpretación (que muchas veces iba surgiendo en la ejecución) y finalmente opté por la segunda opción.

Apareció una persona de edad avanzada, testigo del asalto a un comercio (sociedad) a quien le supera la vida o un niño persiguiendo una pompa de jabón (persiguiendo ilusiones). Y finalmente una artista joven que muestra su creación en la calle y crea alrededor suyo un espacio artístico (arte en la calle).

Alguna otra cosilla que aún no ha sido mostrada como esta pareja de jubilados que, a la puerta de un restaurante, se plantean la armonización entre deseos y recursos tras una larga época de convivencia. Este cuadro tuvo la suerte de ser observado en el transporte por una persona que con gran sagacidad lo comprendió a la perfección a primera vista y actualmente lo posee.

Jesus Oliván: Jubilación

En paralelo empecé a realizar temas similares utilizando un lenguaje más informal o explorando formas de abstracción en la tradición europea, no tratando de atrapar un gesto sino más bien intentando extraer los elementos más significativos de la realidad, de narrar algo. Este es un ejemplo

Ya habrán notado que me gusta la documentación y dejar fijados los conceptos por si la memoria nos juega alguna mala pasada y escribí un pequeño folleto sobre la escayola y la grisalla, orientado a describir el interés de las técnicas clásicas en el aprendizaje del dibujo. Puede verse aquí.

Y como siempre me había gustado ver trabajar a los artistas, ver su actitud ante el mundo y la tecnología actual lo hacía posible inicié una página web que ha resultado muy visitada y que a mí sinceramente me gusta mucho.

Poco a poco comencé a trabajar con mi amigo Pedro Carrasco en la ilustración de sus nanorrelatos. Tras algún balbuceo inicial comencé a utilizar el ordenador mezclado con el dibujo a mano para crear una imágen rápida que no pretende ser protagonista sino únicamente complementar los relatos de Pedro. Tenemos en marcha algún otro proyecto más ambicioso

Y finalmente comencé este blog. Dice el aforismo clásico que si no sabes sobre un tema escribas sobre él y así lo he hecho, comentando las exposiciones a que asistía o las obras que me llaman la atención. Poniendo al mismo nivel artistas consagrados y noveles y dándole a todo la misma relevancia, porque se trata más bien de disfrutar con el arte que de valorar o criticar. Este blog me ha permitido conocer y compartir formas de entender el arte sencillamente maravillosas.

Ha habido muchas otras cosas. Algunos premios que me han dado una gran alegría, el conocimiento de personas del mundo artístico desde pintores a comisarios o aficionados. En fin que ha sido un buen año. Espero que a fin de año pueda hablarles de ustedes, los lectores del blog.

Color y Creatividad: Juan Carlos Sanz

2011-07-09T11:21:00.000+02:00

El Círculo de Bellas Artes de Madrid en cooperación con la Universidad Carlos III organiza durante los veranos una serie de talleres que cubren actividades de litografía, escritura narrativa, teatro, collage... Este año he tenido la suerte de asistir al curso "Color y Creatividad", impartido por Juan Carlos Sanz.

Juan Carlos Sanz

El tema no es lo único atractivo de estos talleres, al placer de ver Madrid desde la terraza del Círculo se añade una sala bien acondicionada, un grupo de asistentes de formación diversa (artistas con formación en bellas artes o no, periodistas, arquitectos, iluminadores, fotógrafos, aficionados al color, ingenieros...) con quienes es un placer discutir y un conjunto de materiales modesto pero suficiente que permite poner en práctica alguna de las ideas expuestas. El profesor Juan Carlos Sanz es una persona de gran formación en color; autor o coautor de multiples textos sobre color e investigador perteneciente a la Asociación Internacional del Color (AIC) y miembro de su grupo de estudio de diseño de color ambiental.

El curso tiene por un lado color y por otro creatividad. Vamos al primero de ellos. El color se define de formas muy diferentes desde las características físicas o desde la percepción del mismo. Una preciosa idea del curso es que aunque el color es básicamente una percepción, se proyecta hacia el exterior. No "percibimos" el color en abstracto o dentro de nuestro cuerpo sino que "proyectamos" el color hacia el exterior sintiéndolo como una propiedad del mundo externo. En el curso se detallan aspectos neurofìsiológicos, psicofisiológicos o colorimétricos.

Se analiza la medida del color a partir de Munsell (no puedo dejar de recomendar la edición del estudiante del libro de Munsell que puede adquirirse en Amazon, lean por favor las recomendaciones de los lectores) pasando por CIE, CIELAB y otros hasta llegar a CIECAM02. Debo reconocer que para mí CIECAM02 fue una absoluta novedad. Es un tema difícil que trata de describir como veríamos un determinado color en un contexto determinado (luz ambiente, colores que le rodean, adaptación). Para que se hagan una idea este enlace contiene algunas notas sobre su utilidad.

En fin que tras este bagaje se comprende bien la diferencia entre luminosidad tono y croma. Estos recursos pueden utilizarse como un recurso plástico expresivo. Vean si no un ejemplo similar al mostrado en el curso. Traten de adivinar en los fragmentos de Monet, Picasso y Van Gogh qué recurso es el menos utilizado (o sea el que muestra una menor variación).

Creo que lo habrán acertado, en el cuadro de Monet todas las masas muestran variaciones en tono y luminosidad pero no en croma, en el de Picasso varía la luminosidad y el chroma pero no el tono (es prácticamente una grisalla), en el de Van Gogh cambian color y croma pero con escasa variación en luminosidad. Me gustaría recomendar un software que permite este análisis por segmentos del cuadro y lo representa en muy diversos espacios de color. Se trata de ColorSpace, esta es una página que lo usa para describir la mezcla de pigmentos. Seguro que disfrutan con su uso.

Pero hemos hablado de sólo una de las patas del curso, el color. La otra pata es la creatividad y un conjunto amplio de ideas sobre análisis de imágen. La creatividad se desarrolla en varios ejes y el color se concibe como un recurso que permite incrementar la creatividad aplicado de formas muy diversas. Uno de los ejes es la creación de imágenes coloreadas basadas en conceptos analíticos junguianos como la persona o la sombra, otro de ellos trata de crear un logo que caracterice aspectos esenciales de la persona, otro trata de utilizar conceptos de creatividad aplicados a la creación plástica. Como ejemplo les muestro la creación de una "caleidotortuga" inventada por uno de los subgrupos a partir del binomio fantástico de Gianni Rodari.

Una Caleidortuga o caleidotortuga, no se bien...

No crean que con esto agoto el contenido del curso. Muchos más temas son insinuados o tratados. Uno de ellos la sinestesia (percepción de una sensación en un sentido diferente, e.g. visualizar sonidos) flota a lo largo del curso e impregna muchos de los temas tratados. Aquí pueden ver un famoso programa de Eduardo Punset sobre sinestesia.

En fin que si a esa riqueza de contenido se añade lo divertido de la práctica y la conversación con los otros les animo a que se matriculen a la cuarta edición del curso que probablemente se organizará el año que viene.

Antonio López

2011-06-29T22:36:00.002+02:00

La Fundación Thyssen inaugura una exposición sobre Antonio López. En cierta forma Antonio López marca desde lo alto la trayectoria artística de una generación y en mi caso efectivamente es así.

Hace ya bastantes años Eduardo Peña nos recomendó la visión del Sol del Membrillo para que comprendiéramos de qué iba esto de la pintura. Y así lo hice. En la videoteca del Reina Sofía, solicité el video para verlo en los monitores. Ese video y todos en los que aparecía el maestro. Poco después había comprendido que la pintura no es únicamente pintar. Y en las siguientes semanas tuve la suerte de ser admitido en los cursos/talleres de la Real Academia de San Fernando. El primero de ellos, de una semana de duración, lo impartían conjuntamente Julio López y Antonio Lopez y trataba de poner en valor el dibujo de piezas de escayola para el aprendizaje. En algún otro sitio he hablado de la escayola como herramienta de aprendizaje.

Una de los aspectos más curiosos del curso era hasta qué punto dos artistas pueden tener una idea divergente de la representación. Para Julio López la imágen era la visión de un volúmen, el dibujo comenzaba con la representación imaginaria de los apoyos, de las cargas... para Antonio López la imágen era la traducción en el cuadro de una visión en dos dimensiones, el establecimiento de relaciones entre las formas, la traducción de los elementos de luz y sombra.

Algún día comentaré con detalle como se complementan y se enfrentan en la práctica estas dos concepciones del dibujo. Y también dedicaremos un tiempo a hablar de Julio López, persona sensible y humilde, amable hasta disimular su conocimiento para hacer sentir cómodo al interlocutor, inteligente en la reutilización de los motivos cotidianos para hacerlos trascencer la realidad, utilizador del azar como un elemento más de la creación, constante en el trabajo para superar las dificultades que siempre aparecen en la ejecución... pero hoy vamos a hablar de Antonio Lopez y voy a transcribir algunos de los conceptos que en aquel curso comprendí con el ejemplo. Por supuesto no son citas literales y probablemente muchas no son del todo correctas sino que reflejan únicamente cómo las entendí.

El cuadro comienza antes de pintarlo. Mucho antes de coger el pincel la idea del cuadro guia la ejecución. Las decisiones de escala, tamaño del cuadro, posición, esquema de luz... son previas, no se trata sólo de ser mimético de la realidad sino de comprenderla para poder transcribirla. En esa transcripción es necesario situarse cerca del objeto, dejar un tiempo, observar sus matices. La realidad no se nos desvela de forma inmediata.

Ser consciente de las propias limitaciones. Cada pintor o dibujante tiene sus límites. Aunque seamos capaces de comprender la realidad si no somos capaces de ejecutarla el resultado no será el deseado. Si nos supera un motivo no podemos abordarlo porque dedicaremos un ímprobo esfuerzo a un resultado sin valor, sólo seremos capaces de demostrar nuestra propia insuficiencia.

¿Qué es grande? ¿Que es pequeño? ¿Es pequeña la tierra?. La escala no implica necesariamente grandiosidad. Una mesa de seis metros conteniendo hortalizas es distinto a una huerta o un supermercado, es un mundo. Algunos decían que podía haber llevado el modelo (las calabazas en la mesa presentes en la exposición) a ARCO como una instalación.

El lenguaje condiciona el resultado. Cuando acabé la academia me sentía seguro y decidí abordar el tratamiento de cuatro mujeres utilizando el lenguaje de la antigûedad grecolatina aplicado a nuestro mundo. El resultado es ese cierto aire extraterrestre que aparece en el dibujo, que por cierto también se muestra en la exposición. Poco despues (referido a un dibujo de su taller) ya tenía el lenguaje. Lo mismo lo podría firmar ahora.

No busqueis que quede bonito. No busqueis el efecto. Esta forma de dibujar ya era antigua en mi época, cuánto más ahora. Eso es lo que se dice por ahí, gesto suelto, tiene fuerza... tópicos. Es antigua, quizá sirviera para el que la inventó pero ya no...

Tened fe. A mitad de cuadro aparecen dudas sobre si estamos haciendo lo correcto, sobre su resultado. Tened fe en el resultado como guía en la ejecución.

Creo que ya es suficiente para hacerse con la idea de que Antonio Lopez no es un profesor complaciente pero sí un maestro cargado de conocimiento. Otras muchas ideas (no tomeis apuntes, el lienzo es el propio apunte; ¿Quien mejor que un pintor para comprender la obra de otro pintor?; el proceso de sacar negros es como el revelado de una fotografía, el color es distinto, si consigues el matiz a la primera estupendo; yo amo mucho la forma pura tal y como se manifiesta en el dibujo; buscad en el pasado inmediato los aspectos formales con que describir el tiempo presente..) se quedan en el tintero. Pero una vez glosada su dimensión de profesor, me gustaría hablar de su dimensión como artista.

Tal y como lo veo el artista moderno necesita originalidad (su forma de representación debe ser reconocible), solvencia (su habilidad técnica debe ser suficiente) y capacidad de comunicación con la sociedad (para hacer llegar su visión al destinatario). Pienso que en los tres aspectos Antonio López es un genio. Podríamos hablar de los tres pero vamos a centrarnos en la solvencia, o sea la habilidad técnica.

Como ejemplo un paisaje urbano. Cuando nos aproximamos a un paisaje urbano, como con cualquier otra realidad, a un nivel suficiente de detalle, la realidad nos supera. No podemos pintar los ladrillos o los filamentos de las bombillas... todo pintor simplifica y representa, pero el nivel al que llega varía. Con frecuencia se utilizan formas rutinarias para aproximarse al paisaje. Antonio nunca lo hace. Cuando pinta un membrillo o la hoja de un árbol, no pinta un membrillo o una hoja, retrata ese membrillo con el mismo interés con que se realiza el retrato de una persona. Y lo mismo con los edificios. Esto es un ejemplo de dos detalles del cuadro Madrid desde el Cerro del tio Pio.

Vemos que en ambos casos la fórmula seguida es completamente diferente se ha representado un increíble nivel de detalle con la belleza de una abstracción. Sorprendentemente el resultado global es consistente, nada produce disonancias porque su rigor hace que la armonía del conjunto se mantenga. Es una suma de individualidades donde cada parte dá lo mejor de sí misma. Lo mismo podríamos decir de la mayor parte de sus cuadros, cada fragmento tiene vida propia y es un maravilloso trozo de vida diferente a los otros e integrado en una finalidad común.

Muchas otras cosas podríamos decir de la exposición. Su logro al expandir lo pintoresco abarcando objetos cotidianos de nuestros días, su método de medida desconfiando de nuestros sentidos, su creación de un maravilloso estilo dibujístico de linea "caligráfica" calibrada, su carácter artístico en la creación de su propio personaje. Algunos aspectos más se glosan en un estupendo video que acompaña la exposición en que Erice, Julio López o Nieva entre otros destacan aspectos de su obra.

Me gustaría finalizar con mi teoría del genio. Un genio es distinto de un maestro. Su disciplina está tan integrada en su cerebro que es un rasgo de sí mismo. Pienso que los genios se hacen en la infancia, con mucha frecuencia por la influencia de alguien que domina la disciplina. Es como aprender un idioma, no puedes aprender un idioma de forma perfecta sino en la infancia. Antonio Lopez era un niño prodigio que despertaba la admiración de otros estudiantes cuando vino a la pensión de Madrid para aprender a pintar. La representación plástica no es un elemento más de su vida. Es su propia vida. Maneja con soltura conceptos que son de verbalización imposible porque la representación plástica es su lengua materna.

No es que hayamos hablado mucho de la exposición pero seguro que la disfrutan igual.

Arte y ordenador. Elena Asins

2011-06-24T18:10:00.000+02:00

Leo en el blog “Arte en Madrid”, del que tanto aprendo y con que tanto disfruto, un resumen amplio de la exposición de Elena Asins en el Reina Sofía de Madrid. Es el empujón que necesitaba para visitarla.

Durante los muchos meses que permanecí trabajando en Cuenca, mi despacho estaba presidido por las Cuatro Estaciones de Eusebio Sempere. Me asombraba que el paisaje pudiera ser representado con un simple conjunto de lineas de diversos colores. Y descubro ahora que Elena Asins, cuyas elegantes abstracciones geométricas han llamado mi atención en muchas otras exposiciones, tenía amistad con Eusebio Sempere. Y que ambos estaban en relación con el Centro de Calculo de la Complutense. Arte y ordenadores trabajando juntos.

Y, ¿qué es esto del arte por ordenador? Pues cubre muchas formas en que el ordenador puede ser utilizado para modificar una imagen, para convertir imágenes en texto (vean por favor una utilidad que realiza esta función aquí), como herramienta de apunte, o de muchas otras maneras. Pero sobre todo nos referimos al denominado “arte algorítmico”. O sea, un conjunto preciso de órdenes que produce finalmente una salida gráfica con valor artístico.

Con frecuencia las obras creadas están incluidas dentro de la abstracción geométrica. Quizá esté equivocado pero me parece que la herencia del constructivismo (con su creación de realidades complejas sin referencias externas a partir de formas simples) no abarca la totalidad de la abstracción geométrica. Un ejemplo sería este arte algorítmico en que la distancia entre la obra final y los elementos básicos de partida puede ser tan grande (por la facilidad manipulativa del ordenador) que haga sus elementos básicos irreconocibles en la obra final. El cálculo automático facilita el manejo de gran número de elementos y la introducción del azar o de distribuciones estadísticas dentro del algoritmo.

Una maravillosa descripción del Centro de Calculo de la Universidad Complutense, con cierto sabor de programación antigua (lineal, conceptual, no estructurada) puede verse aquí.

Y aquí tenemos la exposición de Elena Asins que resume toda una vida dedicada a buscar armonías ocultas y musicales en las imágenes. Contiene obras en que el ordenador toma el protagonismo, especialmente en la ejecución o en la elaboración de las variaciones, pero con frecuencia la obra refleja más bien la base teórica subyacente. Este es un ejemplo de una de las piezas expuestas.

Elena Asins. Dolmen de Albi II. Reina Sofía. Madrid

Una serie de cubos alineados del que se ha eliminado una cuña en su faceta superior con diferentes orientaciones. La forma no es demasiado compleja. Sus variaciones nos hablan del cubo completo, del volumen que le ha sido sustraido y también de la forma en que ambas se relacionan. A primera vista recuerda una serie matemática o uno de esos tests de inteligencia en que debe adivinarse el siguiente elemento a partir de los anteriores. El objeto sin embargo parece otro, la obra tiene una cadencia fría, elegante e intemporal. Sospechamos que no puede predecirse el siguiente cubo y que a pesar de todo la serie podría haber sido más larga. Su presencia espacial introduce un rítmo como una frase musical. Nos habla de nuestro aparato perceptivo y de los fundamentos de lo que consideramos armonioso. En su frialdad y ausencia de ecos de la naturaleza vemos los elementos que nos permiten reconocer la belleza, la originalidad y el ritmo.

Un ejemplo similar en dos dimensiones. Prácticamente la misma idea.

Elena Asins. La rotación del menhir. Reina Sofía. Madrid.

Esta limitación del espacio nos sugiere una apertura al infinito como en los elementos de una serie matemática. A veces la obra se expande en una dimesión temporal de gran longitud (hojas y hojas en papel continuo) haciéndonos ver la subordinación de los elementos básicos a la finalidad constructiva, como las notas de una partitura musical.

Todas esas variaciones están en nosotros mismos, en nuestra forma de definir conjuntos y relaciones de pertenencia, en nuestra forma de adivinar el futuro que no es sino el reflejo de lo que somos capaces de ver. Mercedes en su blog nos habla de la instalación con que finaliza el recorrido: una habitación vacía y oscura como un agujero negro donde no percibimos nada. Queda únicamente el silencio del aparato perceptivo tras desaparecer la percepción, mostrándonos los patrones formales que seremos capaces de reconocer y valorar. En cierta manera nos hemos introducido en una de las formas y su universo ya es el nuestro.

El artista autodidacta: James Castle

2011-06-19T20:51:00.000+02:00

Déjenme comentar un resumen de la vida de Ramanujan. Quizá algún detalle no sea correcto pero nos sirve únicamente como ilustración. Ramanujan fué un hindú con enorme habilidad matemática que se formó a sí mismo mediante la lectura de un libro de matemática avanzada publicado décadas antes. Cuando acabó las demostraciones continuó desarrollando ideas sin contacto con otros matemáticos. Finalmente se decidió a comunicar a un conocido profesor inglés algunas de sus demostraciones. El profesor tras analizarlas dijo algo similar a ésto. "Debe ser verdad porque no hay nadie con la suficiente imaginación para inventar algo así"

Cuando se analizaron las propuestas de Ramanujan podían incluirse en tres grupos:

- Desarrollos conocidos por la comunidad matemática que Ramanujan había redescubierto por sí mismo

- Desarrollos erróneos cuyo fallo en alguno de los pasos le había pasado desapercibido

- Maravillosas ideas originales y correctas que nadie había pensado

El problema de Ramanujan es que no podía diferenciar entre los tres grupos. Tengo para mí que el problema fundamental del autodidacta en cualquier campo es la inseguridad que deriva de la conciencia de falta de criterio.

En sus seminarios Vaquero Turcios hablaba entusiasmado del "art brut", el arte desarrollado por enfermos mentales que podría traducirse por "arte en bruto". En una ocasión se planteó si el arte no estaba más en la selección que en la propia creación. Cuando la selección la realizan expertos con amplia formación, filtran los resultados introduciendo lo que en estadística se denomina un "sesgo".

Evidentemente el arte denominado "outsider art" posee una originalidad que lo hace extremadamente atractivo.

Y aquí tenemos a James Castle en el Reina Sofía de Madrid. Un artista en toda regla que idea métodos, crea imágenes del mundo y nos trasmite eficaz y brillantemente su visión. Reinventando el collage y hasta el pincel y los pigmentos es capaz de desvelarnos su mundo.

Pero es que además Castle era sordomudo y quizá analfabeto. No sólo carecía de formación reglada sino que no tenía acceso a los más elementales medios de trasmisión de cultura.

Cuando vemos su obra sentimos la necesidad artística del hombre. Este es un paisaje relizado por él

Percibimos cómo el arte refleja su mundo interior y cómo se establece un "contrato" entre el creador y el espectador. Una transacción entre lo que se crea y lo que merece ser visto, una transacción que como en el caso del precio de las materias primas varía con el tiempo. No sólo estamos hablando de la necesidad expresiva de la persona sino de la utilidad de lo creado para otras personas cuyo interés no es cononcer los detalles de una comunidad rural en Idaho o analizar las características psicológicas de una persona con deprivación sensorial sino más bien disfrutar de los aciertos en la plasmación del mundo y de la codificación de experiencias que como humanos compartimos.

Este es un ejemplo de la plasmación de un pato con una técnica similar a un collage

La exposición está ordenada en torno a la idea de cómo Castle almacenaba, clasificaba y mostraba sus obras, creando espacios de representación de su mundo. El círculo se cerraba cuando dibujaba a modo de reportaje fotográfico las exhibiciones de sus obras.

Una preciosa exposición más allá de las características insólitas de su autor, donde conviven hallazgos de elementos plásticos conocidos (como la perspectiva y la organización del espacio), elementos formales más o menos primitivos y posiblemente inadecuados desde nuestro punto de vista (como la abundancia de detalles o la insinuación de texto mediante una monótona linea ondulada) y maravillosos y originales hallazgos plásticos (como los collages describiendo animales o simplificados dibujos de su realidad).

Este es un video que resume la exposición, esta es la presentación relizada por su comisaria Lynne Cooke

y éste un video donde se pueden contemplar los motivos de su obra en paralelo con la realidad.

Lygia Pape en el Reina Sofía.

2011-06-15T21:01:00.003+02:00

En el obituario publicado en el New York Times sobre Lygia Pape, fallecida en 1977 se le define así:

"una influyente artista brasileña que trabajó en dos importantes movimientos concretismo y neoconcretismo, para sobrepasarlos más tarde".

El Museo Reina Sofía expone una amplia muestra de su evolución y es una buena ocasión para comentar algo sobre constructivismo, concretismo y otros temas afines.

El arte concreto o "concretismo" es una tendencia de la abstracción que sugiere que el arte debe liberarse de cualquier asociación simbólica con la realidad. Las lineas y los colores son concretos por sí mismos. Dicho en otros términos, la obra de arte no refiere a la realidad o la emoción sino únicamente a sí misma.

En la tormenta de movimientos reformadores del arte en el primer tercio del siglo XX apareció uno de ellos de gran influencia: el constructivismo. Desarrollado en Rusia planteaba que el arte podía ser desarrollado al margen del mundo exterior sin imitarlo o inspirarse en él, como una construcción. Algún día podemos hablar del constructivismo y de cómo su influencia llegó a diferentes partes del mundo pero sus obras son bastante reconocibles.

Una serie de elementos básicos, frecuentemente líneas, círculos o cuadrados... se utilizan como piezas de un mecano o letras de un alfabeto. Estas piezas básicas se repiten con variaciones en un espacio pictórico o tridimensional. Las transformaciones más habituales que las formas pueden experimentar son traslación, rotación, reflexión y escalado (en alguna dirección) así como modificaciones de color. El resultado mantiene el sello coherente del conjunto formal básico y a la vez crea una estructura plástica en que aparecen propiedades nuevas.

Según se nos cuenta en la introducción de la exposición del Reina Sofiá el impulso transformador de los años 50 en Brasil condujo a la aparición de dos núcleos de arte de vanguardia en Sao Paulo y Rio.

Esta es una obra realizada por Lygia Pape en este periodo en que dos rectángulos unidos se desplazan y rotan para formar una estructura cuyas propiedades no pueden deducirse de sus elementos básicos integrantes.

Lygia Pape. Sin titulo. Reina Sofia.

Al cabo de cierto tiempo esta abstracción geométrica carente de referencias externas (concretismo) creada como una forma por acumulación y modificación de formas más básicas resultó carente de emoción. Se produjo una ruptura y en palabras de Lygia Page en 1959 (Regina Celia Pinto "O movimento neoconcreto")

" Nos separamos del grupo concreto de Sao Paulo porque querían desarrollar un proyecto de diez años de trabajo para el futuro. El grupo de Rio encontraba que era demasiado racionalismo. Queríamos trabajar con la intuición, más libres"

Asi pues algunos miembros del concretismo evolucionaron hacia el denominado neo-concretismo. En el manifiesto neoconcreto, no concebian "la obra de arte como una máquina ni como un objeto sino como un casi-cuerpo, un ser cuya realidad no se agota en las relaciones exteriores de sus elementos, descomponible en partes por el análisis, que sólo se da plenamente por el abordaje directo fenomenológico". Se enfatizaba así la superioridad de lo creado con respecto a sus elementos constituyentes.

Un ejemplo sería un balet neoconcreto. En la muestra vemos una serie de prismas y una serie de cilindros de gran tamaño que evolucionaban movidos desde su interior formando algo parecido a un mecanismo de relojería y que toma vida propia al margen de sus elementos básicos.

Lygia Pape. Bale Neoconcreto. Reina Sofía.

Con frecuencia en este periodo el espectador puede interactuar con la obra de arte: abrirla, tocarla... como corresponde a un "ser vivo".

Lygia fue evolucionando en campos muy diversos llegando a desarrollar preciosas imaginerías de luz basadas en lineas que a su vez forman prismas y que finalmente ordenan el espacio creando un ambiente mágico como el interior de una catedral. Este es un ejemplo.

Lygia Pape. Reina Sofía.

Y en paralelo Lygia fue creando maravillosas ideas de una gran elegancia y altura conceptual. El título de la exposición "espacio imantado" hace referencia a lo que sucede con las partículas metálicas cuando son sometidas a un campo magnético. Se ordenan poniendo de manifiesto la existencia de fuerzas subyacentes. Si no estoy equivocado, en el caso de las personas Lygia nos muestra un efecto análogo en una serie de fotografías, e.g. cuando alguien baila la Capoeira en una plaza aglutinando en torno suyo a la multitud: se forma una corona de personas que vistas desde lo alto son en todo similares a un campo magnético de partículas inanimadas. Las fuerzas de la sociedad se ponen de manifiesto en un cuasi experimento que no puedo por menos que calificar de brillante.

O sea que si quieren pasar del concretismo al neoconcretismo, de la geometría a las fuerzas de la vida y disfrutar otras muchas preciosidades no se pierdan la obra de una persona cuya vida estuvo llena de creación e inteligencia. Esta es su pagina web, esta es una excelente enciclopedia brasileña donde pueden documentar muchos de los movimientos en los que Lygia participó y este es el video de la exposición presentado por Teresa Velázquez, su comisaria.

Leon Golub en el Palacio de Velazquez

2011-06-12T18:39:00.000+02:00

El Reina Sofía en el Palacio de Velazquez del Retiro de Madrid propone una amplia exposición retrospectiva sobre Leon Golub.

Se trata de una exposición que abarca la trayectoria completa del autor. Todos sus temas, sus obsesiones, sus variados formatos están a la vista. Lo que eran apuntes se convierten en formas maduras y podemos seguir décadas de actividad artística en un momento.

Como siempre la exposición nos sirve para discutir algunos aspectos de la obra del artista

En otra parte de este blog hemos comentado la validez de los temas intemporales, de los mitos como una forma de aproximarse a la realidad. En cierta manera es una forma de codificación de lo humano. Como se dice con cierto humor "nadie hace una película de autor de romanos para hablar de los romanos"; lo mismo podría decirse de un western o una novela policiaca. Y ¿porqué no? de algunos de los temas mostrados. La gigantomaquia es un episodio mitológico de un conflicto entre dioses y gigantes que se encuentra representada en el Altar de Zeus de Pérgamo (vean por favor la imágen ampliada de la fotografía incluida en la entrada de Wikipedia). Esta es una representación de la gigantomaquia realizada por Golub.

Golub. Gigantomaquia II. Palacio de Velazquez.

Se trata de una lucha realizada a una escala monumental en que los personajes no se distinguen unos de otros. Como en una pelea multitudinaria el protagonista es la violencia. La lucha entre grupos y la definición del grupo más fuerte. Nuestro prestigio aumenta cuando peleamos contra enemigos poderosos y los vencemos y en la escala se nos representa nuestra propia dimensión.

Esta definición del poder físico en el sentido del que lo detenta y también del que lo sufre como un elemento de lo humano y específicamente de lo masculino, constituye uno de los ejes de la obra de Golub. Golub nos muestra conflictos mitológicos, conflictos contemporáneos, malas prácticas policiales, abusos cotidianos e imágenes de dictadores.

La relación dominador/dominado es un elemento básico con diferente grado de concreción, desde el mito al conflicto de Vietnam. ¿Porqué el artista posee una visión de la realidad superior a la de otra persona? ¿Es necesariamente acertada la visión de un artista? Probablemente accede a una visión de la realidad que enlaza con los pensamientos más profundos. Los personajes de Golub no creo que puedan verse en términos de justicia histórica o de solución de conflictos. Más bien me parece que describen elementos presentes en el hombre, en todos los hombres. Su crueldad tiene antecedentes plásticos bien conocidos por los españoles (e.g. los desastres de la guerra o el Guernica). Golub trabaja con el mundo, se mancha de él y expresa plásticamente su sentimiento, traslada a los demás su visión pero su fuerza radica en que la realidad es reconocible en su obra, queda de alguna forma fijada.

Golub. Vietnam II. Palacio de Velazquez

A pesar de ello, del dolor que le producen las conductas de los "suyos" no parece renegar de su propia sociedad. Pienso que un pensamiento de Golub recogido en uno de sus obituarios aclara algo este aspecto

"Sabes, en muchos países en el mundo de hoy, tú y yo habríamos sido enviados la cárcel o fusilados hace mucho tiempo. Pero aquí estamos más o menos solos para seguir trabajando, incluso se nos festeja de vez en cuando. "

Este destacar aspectos dolorosos de la realidad impide evitar su contemplación. El propio Leon Golub definía su trabajo como una "invitación a un lugar donde nadie desearía estar". Nos introduce en lugares que han sido creados para estar ocultos, nos muestra conductas que no deben ser mostradas. Sabemos que existen pero si las vemos resultan extremadamente molestas.

Una investigación neurobiológica reciente ha mostrado la existencia de las llamadas "neuronas espejo", neuronas que se activan cuando se realiza una acción pero también cuando vemos a otros realizar esa misma acción. El arte en general constituye un almacén de conductas que podemos no sólo visualizar sino también sentir. Cuando vemos una obra figurativa (se ha sugerido algo similar para la obra abstracta) podemos "sentir" lo que sus protagonistas sienten. Se dice de un sueño que todos los que aparecen en él son el propio soñante. Como en el experimento de la carcel de Stanford , contemplando la obra de Golub sabemos que podemos ser el torturador y el torturado, el opresor y el oprimido.

Y para conseguir este efecto Golub se sirve de la realidad cotidiana. Esta es una cita de Yoko Ono aconsejando a una artista que está comenzando su carrera: "El mundo es tu ostra. Te proveerá de material infinito para tu arte. Míralo de nuevo bajo ese punto de vista. De pronto el mundo es un lugar diferente, interesante, hermoso y misterioso, Diviértete con él. Y comparte la diversión con nosotros."

Golub utiliza la realidad grecolatina pero también utiliza los medios más próximos. La exposición tiene el acierto de incluir junto a obras de gran dimensión, las pequeñas imágenes tomadas de la prensa que utilizaba Golum para plasmar sus ideas. Alguna vez hemos comentado algo parecido en relación al asesinato de Marcel Duchamp

Golub. Material preparatorio. Palacio de Velazquez

Una vez definido lo pintoresco, lo que merece ser mostrado, un problema esencial para el artista es elegir la forma de representación. En arte (al menos en el arte "no conceptual" y probablemente también en éste) la forma define la obra. Hemos visto muchos artistas que utilizan formas o signos propios (Shonibare, Kusama...) en general todos los artistas lo hacen de una u otra manera. Las formas de representación de Golub mantienen una relación con la simplificación y la abstracción, con frecuencia huye del detalle para alcanzar una mayor generalidad. Algunos aspectos formales, e.g. la ausencia de bastidor que permite el manejo de lonas de grandes proporciones, también contribuyen a dar un sello característico a su obra.

Un aspecto final me gustaría destacar. ¿Porqué es más eficaz una obra de Golub que una fotografía de prensa ampliada? Ahí, pienso, radica la fuerza del arte. Por un lado el espectador le presta mayor atención. Comprende que todo lo que se sitúa en el lienzo ha sido seleccionado para ser mostrado, no hay nada fortuito, irrelevante o contradictorio excepto lo que el autor ha querido incluir. Por otro lado el espectador ha aprendido culturalmente a valorar en base a experiencias previas que el sentido de la obra no es trivial sino que existen múltiples lecturas que hacen que él mismo sea capaz de crear su propia obra, su propia visión de lo tratado en diálogo con quien lo destacó del magma polimorfo e inabordable de la realidad. Las exposiciones facilitan esta experiencia y ciertamente la exposición del Palacio de Velazquez del retiro con su amplitud, sus grandes espacios y paredes, su documentación y su paz favorece este proceso.

Este es el video del comisario de la exposición.

Mariano Vilallonga en la Casa de Vacas

2011-06-08T22:29:00.001+02:00

Rodeado de imágenes madrileñas (puertas, plazas, vallas publicitarias...) a veces integradas en huecos dentro de los propios cuadros de Coro López-Izquierdo vemos en la Casa de Vacas del Retiro de Madrid las esculturas de Mariano Vilallonga. Si en los cuadros de Coro prima lo concreto, lo reconocible, lo cotidiano, las esculturas de Mariano apuntan a lo intemporal, a lo esencial, a la abstracción de la vida.

Los personajes de Mariano se nos muestran en actitudes ajenas a la pose. Están a lo suyo y el espectador accede a ellos como si los sorprendiera al acercarnos a una ventana o al doblar una esquina. Allí están llevando pesos, subiendo escaleras, divisando el paisaje, discutiendo entre sí. Su mundo nos sorprende porque percibimos en ellos nuestra perplejidad ante nuestro propio mundo.

Mariano Vilallonga. Casa de Vacas

Las enormes escaleras, las bibliotecas inabordables, las relaciones humanas imposibles, las discusiones en que no es probable convencer a otros... casi como piezas de humor gráfico que nos mueven a la reflexión sobre nuestras propias incapacidades.

Mariano Vilallonga. Casa de Vacas.

Su escala diminuta no les impide afirmarse. Se resisten a la formación como nos resistimos a ser homogeneizados y confundidos en el grupo. A pesar de su carácter simbólico, de su ausencia de vestimenta o signos exteriores, nos hablan de su propia individualidad, de un gesto propio, de un aspecto físico diferenciado, de una actitud personal ante la vida.

Mariano Vilallonga. Casa de Vacas

La puesta en escena nos acerca a un decorado teatral en que las claves interpretativas son deliberadamente ambiguas; andamiajes, redes... nos sugieren que no son seres al margen del tiempo y el espacio sino que se sitúan en el mundo, en cualquier mundo. Ese mundo que fabrican a la vez que lo sufren.

Y ese es uno de los posibles mensajes del conjunto. En el hardware que nosotros mismos creamos, habita el software de nuestra vida, nuestra perplejidad ante la creación y ante la relación con los otros.

Es una delicia imaginarlos a escala natural llenando con su naturalidad parques y espacios públicos, recordándonos que no comprendemos ni sabemos manejar lo que nosotros mismos hacemos.